MÚSICA, ÓPERA & BALLET

Meio-Soprano espanhola Nancy Fabiola Herrera é a solista dos concertos da Orquestra do Theatro São Pedro em março

2012-03-02T04:19:00.001-08:00

Nos dias 10 e 11 de março acontecem os concertos da Orquestra do Theatro São Pedro (Orthesp) com a meio-soprano espanhola Nancy Fabiola Herrera, que se apresenta pela primeira vez nos palcos da capital paulistana. A Orthesp é do corpo artístico do Governo do Estado e da Secretaria da Cultura e será regida pelo maestro Emiliano Patarra, dia 10, sábado, às 20h30, e no dia 11, domingo, às 17h, no Theatro São Pedro, em São Paulo. Ingressos: R$ 20,00 e meia entrada.

A orquestra apresenta um repertório que traz trechos das óperas Carmen e Sansão e Dalila, compostas pelos franceses Georges Bizet (1838 – 1875) e Camille Saint –Saëns (1835 – 1921).

De Carmem, a Orthesp executa o prelúdio e Nancy Fabiola Herrera cantará três árias: “Habanera”, “Seguidilla” e “Chanson Bohème”. Já de Sansão e Dalila executa o Bacanal e meio-soprano espanhola interpretaré as árias “Printemps qui commence”, “Samson recherchant ma presence” e o trecho mais famoso da ópera – a ária “Mon coeur s`ouvre a ta voix”.

A meio-soprano já tem bastante intimidade com as duas obras. Ela já interpretou o papel-título de Carmen em palcos como o do Metropolitan de Nova York, o Covent Garden de Londres, a Ópera de Berlim e as Termas de Caracalla, em Roma, entre outros. Ainda neste ano, Nancy Fabiola Herrera canta o papel em Las Palmas e na Ópera de Munique. Como Dalila, ela fez sua estreia no Brasil, no Festival Amazonas de Ópera de 2009.

Nancy Fabiola Herrera é na atualidade uma das mais destacadas intérpretes do panorama lírico internacional. Entre suas interpretações estão as óperas Carmen, Anna Bolena, Sansão e Dalila, Os Contos de Hoffmann, L’Italiana in Algeri, Werther, Norma, Rigoletto (na atual Temporada da Ópera de Paris), além de muitas zarzuelas, gênero que defende em diversas gravações comerciais, inclusive ao lado de Plácido Domingo com quem estreará em Santiago do Chile no mês de julho na ópera Il Postino.

Possui um espetáculo próprio, chamado Gitanas, que tem percorrido várias cidades da Espanha, principalmente sua cidade natal Las Palmas nas Ilhas Canárias, onde é formada em canto pelo Conservatório Municipal antes de passar pelo Real de Madri e Juilliard School de Nova York.

Detentora de diversas premiações, Nancy Fabiola Herrera foi condecorada com o Plácido Domingo Award 2010 por sua interpretação de Carmen na Ópera de Los Angeles.

Apresenta-se nas principais Salas de Concertos do mundo, tendo sido dirigida por maestros como Lopes Cobos, de Burgos, Plasson, Domingo, Ricci, Rescigno, Haider entre outros.

Sua discografia inclui trabalhos para a Deutsche Grammophon, Opus Arte, Columna Música, ASV Living Era, Arte Nova e Naxos.

Site: http://www.nancyfabiolaherrera.com/es/

Youtube

Nancy Fabiola Herrera sings Carmen by Bizet:: http://youtu.be/rP8yEbBxiDs

Nancy Fabiola Herrera: La Favorita (Donizetti): http://youtu.be/gpUaVAeVNRw

Nancy Fabiola HERRERA sings 'Habanera' by Bizet: http://youtu.be/SisfLXnhS_M

Emiliano Patarra é formado em regência pela Faculdade Santa Marcelina, recebeu a orientação, em sua formação, do Maestro Roberto Duarte. Frequentou dois programas internacionais de aperfeiçoamento em Regência Orquestral, um com o maestro Guillermo Scarabino, realizado no Teatro Colón de Buenos Aires, outro com o maestro Luís Gorelik e a Orquestra Sinfônica de Concepción, Chile. Iniciou sua carreira como regente assistente da Orquestra Sinfônica Jovem do Estado de São Paulo e trabalhou por cinco anos no SESC/SP, dirigindo a Orquestra de Cordas. Na Escola de Música do Estado de São Paulo (EMESP) – Tom Jobim atuou, por 10 anos, como professor de Prática de Orquestra e dirigiu a Orquestra de Cordas. Entre 2001 e 2008, foi regente assistente e coordenador artístico da Orquestra Sinfônica Municipal de Santos. Também foi fundador e diretor musical do Núcleo de Ópera da Faculdade Santa Marcelina (FASM).

A Orquestra do Theatro São Pedro (Orthesp) é do corpo artístico do Governo do Estado e da Secretaria da Cultura e foi fundada em 2010 com direção musical de Roberto Duarte e regência titular de Emiliano Patarra.

Serviço:

Concertos da Orquestra do Theatro São Pedro (Orthesp)
Dia 10 de março, sábado, às 20:30h
Dia 11 de março, domingo, às 17h.
Regência: Maestro Emiliano Patarra
Solista: Nancy Fabiola Herrera (meio-soprano) da EspanhaTheatro São Pedro

Rua Barra Funda, 171

Barra Funda – São Paulo

Tel: 3667-0499

636 lugares.

Duração: 01:45h

Classificação indicativa: 8 anos
Ingressos: R$ 20,00 e meia entrada.

Vendas pela bilheteria e pelo Ingresso Rápido http://www.ingressorapido.com.br/evento.aspx?ID=19680
Horário da bilheteria: De quarta a domingo - Das 14h às 19h ou até o início do espetáculo

A PERSONALIDADE DOS COMPOSITORES EM SUA MÚSICA (3) ARTIGO DE MARCUS GÓES NO BLOG DE ÓPERA E BALLET.

2012-03-02T04:19:00.000-08:00

CARLOS GOMES (1836/1896) nasceu e passou sua meninice e adolescência no interior de uma província brasileira da primeira metade do século XIX, longe da capital da província e mais longe ainda da capital do Império.

Isso fez dele o que nunca deixou de ser por toda a vida: um caipira paulista, adorador de pesca em riachos, de pamonhas e curaus, de barganhas e da luxuriante natureza que o cercava. Paralelamente a esse quadro, CG nasceu ouvindo música, pois seu pai Maneco era musicista dono de banda e, desde cedo, passou a absorver e conservar em sua mente os ecos da música executada pela banda do pai, que tocava trechos do BARBEIRO DE SEVILHA, da NORMA, de peças arranjadas de Mozart, Beethoven, Gluck e da música de salão, geralmente de canto e piano, comum na sua Campinas natal, para sempre seu grande amor, e nas cidades vizinhas.
Assim, CG desde cedo revelou o que seria por toda a vida: um apaixonado pelo Brasil, um admirador da música, geralmente modinhas, que se fazia no Brasil, e da ópera, principalmente da ópera italiana. Sua ida definitiva para Milão em 1863 foi rapidamente fazendo dele um tipo estranho de artista ligado intimamente a seu país natal, a seus costumes e à sua música e também ligado intimamente à Itália, a seus costumes e também à sua música de ópera.
Isso tudo se reflete em sua música, ora claramente de inspiração brasileira, nos ritmos, nas harmonias, nos ornamentos, nas melodias, ora de clara e insofismável inspiração italiana. Essa combinação iria gerar um compositor múltiplo,variado, sempre a tentar novos caminhos, mantendo no entanto a característica básica de centauro ítalo-brasileiro. CG costumava mandar as cozinheiras italianas combinar spaghetti com viradinho paulista e vivia pedindo aos amigos no Brasil que lhe mandassem café, pinhão, pinga “da boa”…
No intrincado enredo que foi sua vida, sua sensibilidade musical aplicou-se de um polo ao outro. Ouçam a JOANNA DE FLANDRES, de 1863, composta no Brasil, e teremos uma obra de inspiração modinheira brasileira; ouçam SE SA MINGA, de 1866, composta na Itália com clara intenção de imitar obras de Offenbach, e teremos um CG admiravelmente capaz de parodiar com extrema agudeza a música do autor de LA VIE PARISIENNE; ouçam IL GUARANY, de 1870, e teremos na partitura uma série de maneirismos, praxes e modos brasileiros ao lado de evidentes italianismos; ouçam a FOSCA, de 1873, e teremos uma obra inteiramente nova no melodrama italiano, experimentando combinar técnicas wagnerianas de Leitmotive e “Sprechengesang” com a natural beleza melódica do livre canto italiano; ouçam o SALVATOR ROSA, de 1874, totalmente italianizado; ouçam a MARIA TUDOR, de 1879, mistura de técnicas e estilos europeus internacionais; ouçam LO SCHIAVO, de 1889, brasileiro à flor da pele combinando os mesmos citados modos e maneirismos da música clássjca, semiclássica de salão e popular que se fazia no Brasil à música de ópera italiana; ouçam CONDOR, de 1891,e COLOMBO, de 1892, ambas na mesma linha de LO SCHIAVO.
A personalidade e a vida privada de CG fizeram dele autor de notável, múltiplo e belíssimo painel musical dentro do melodrama italiano, tendo sido ele o mais importante elemento de ligação entre a música de Rossini, Bellini, Donizetti e Verdi e o chamado “verismo” de Mascagni, Leoncavallo, Puccini e outros que estavam por vir.
STATUENS IN PARTE DEXTRA
MARCUS GÓES – FEV/2012sw

Rádio Cultura FM transmite o Music Nation direto do Reino Unido

2012-03-01T03:28:00.000-08:00

Entre 2 e 4 de março, emissora levará ao ar 25 horas de programação do festival em que se apresentam as mais importantes orquestras e conjuntos musicais da região

São Paulo, 28 de fevereiro de 2012 – Nos dias 2, 3 e 4 de março, a Rádio Cultura FM (103,3) se associa à BBC 3 de Londres para transmitir a programação musical que inaugura a contagem regressiva para o London Festival 2012 e para a Olimpíada Cultural, festividades paralelas aos Jogos Olímpicos.

Nestas datas, irão ao ar por 25 horas os concertos que compõem o Music Nation, evento que reúne espetáculos de música clássica, jazz e world music. Participarão centenas de músicos, dos mais consagrados conjuntos profissionais de todo o Reino Unido até artistas amadores que integram corais comunitários.

A programação especial da Rádio Cultura FM se iniciará às 16h da sexta-feira, dia 2 de março, e só terminará no domingo, dia 4 de março, às 21h. A audição dos concertos será acompanhada por comentários de especialistas, músicos e críticos musicais brasileiros como Leonardo Martinelli, João Batista Natali, João Marcos Coelho e João Luiz Sampaio. A apresentação ficará por conta de Marcelo Jaffé, Roberta Martinelli, João Maurício Galindo e Gioconda Bordon.

Entre os destaques da transmissão da Rádio, a London Mozart Players, direto de Basingstoke (Inglaterra), a Orquestra Sinfônica da BBC da Escócia, de Glasgow (Escócia), a Ulster Orchestra & RTÉ Concert Orchestra, de Belfast (Irlanda do Norte), a Chamber Orchestra, de Shrewsbury (Inglaterra) e a Orquestra Sinfônica da BBC, ao vivo de Londres.

“Trata-se de um projeto voltado para milhões de ouvintes que terão a chance de apreciar este momento único da música clássica em 2012”, declara Roger Wright, diretor da Rádio BBC 3, sobre o Music Nation.

O evento é uma parceria da Associação das Orquestras Britânicas, Associação Britânica das Salas de Concerto, dos conservatórios do Reino Unido e de associações britânicas dedicadas à difusão da música entre jovens.

Programação detalhada (2, 3 e 4 de março)

Sexta-feira, 2 março

16h30

Apresentação do Music Nation

16h45 (ao vivo)

London Mozart Players / Basingstoke

Gerard Korsten, regente / Tasmin Little, solista

Mozart: Sinfonia nr 17 em Sol Maior (16')

Roxanna Panufnik: Four World Seasons (estreia mundia) 20'

Strauss, R: O Burguês Fidalgo (36')

Sábado, 3 março

9h45

Abertura

10h

Academy of St Martin in the Fields Chamber Ensemble / London

Brahms: Sexteto para cordas No.1 Op.18 (35’)

Brahms: Sexteto para cordas No.2 Op.36 (33’)

12h

Filarmônica da BBC / Hanley

Yutaka Sado, regente / Nobuyuki Tsujii, solista

Dvorak: Abertura Carnaval (10)

Chopin: Concerto para Piano No. 1 (38)

Copland: Suite Appalachian Spring (23)

Bernstein: West Side Story – Danças Sinfônicas (21)

15h

Birmingham Contemporary Music Group - Chamber Players (x 5) / Birmingham

Knussen, Oliver: Upon One Note (3)

Barry, Gerald: Dido e Enéas (2)

Matthews, Colin: Elegiac Chaconne (7)

Clementi, Aldo: Berceuse (7)

Davies, Tansy: Undertow (6)

Cashian, Philip: Caprichos (11)

Birtwistle, Sir Harrison: Double Hocket (2)

Maxwell Davies, Peter: Unbroken Circle (5)

Woolrich, John: In the Mirrors of Asleep (8)

Donatoni, Franco: Het (14)

Adès , Thomas: Court Studies, from The Tempest (8)

16h (ao vivo)

Orquestra da BBC Escocesa / Orquestra Jovem da Escócia / Coro Jovem da Escócia / / El Sistema da Escócia / alunos de Conservatórios da Escócia

Donald Runnicles, regente / Nicola Benedetti, violin0 / Kristan Harvey

Williams, John: Fanfarra e Tema para as Olimpíadas (4)

Wagner: Abertura ‘Os Mestres Cantortes’ (9mins)

Bruch: ultimo movimento do Concerto para Violino (Nicola Benedetti, solista) (8 mins)

Vangelis: Conquista do Paraíso (5)

Ravel: Bolero (15mins)

MacMillan, James: Fnafarra Upon One Note (primeira audição mundial) (3mins)

Vangelis: Carruagens de Fogo (4mins)

Orff, Carl: Carmina Burana (15mins): O Fortuna (2.36), Fortune plango vulnera (2.41), Tanz (1.41), Floret Silva (3.19), Veni, Veni, Veni (1.00), Ave fomosissima (1.50), O Fortuna (3.13)

Beethoven: Ode à Alegria (short version - 4')

19h

Academy of Ancient Music / Ludlow

Alina Ibragimova, regent e solista (violino)

Biber, H: Passacaglia

Bach, JS: Sonata para violino e cravo BWV 1016

Bach, JS: Concerto para Violino BWV1041

Vivaldi: Concerto para Violino RV234 'L'inquietudine'

Vivaldi: Concerto para dois Violins e violoncelo Op.3/11 RV565

Biber, H: Battalia

Bach, JS: Concerto para violino BWV1042

20h30

Músicos da Escola Trinity Laban / Orquestra Jovem da Grã-Bretanha / Alunos da Academia da Orquetra Sinfônica de Londres

Jonathan Stockhammer, regent / David Moss, voz / Jocelyn B Smith, mezzo-soprano

Goebbel, Heiner: Surrogate Cities

Domingo, 4 março

9h30 (ao vivo)

Ulster Orchestra & RTE Concert Orchestra / Belfast

David Brophy, regente / solista a confirmar

Brian Irvine: obra a ser estreada para coro e orquestra 15'

Kodaly: Danças de Galanta 14’

Mussorgsky arr Ravel: Quadros de uma exposição 35'

HOLST: Os Planetas

12h (ao vivo)

BBC NOW + BBC NCW Massed County Youth Choirs / Cardiff

Sian Edwards, regente / Karl Jenkins, regente da peça composta por ele / Lloyd Coleman, clarinete

Shostakovich Abertura Festival (6))

Torke, Michael: Javelin (9)

Coleman, Lloyd: um excerto de ‘Breaking the Wall’ (5)

Tchaikovsky: Abertura 1812 (15)

Jenkins, Karl: Obra encomendada para a ocasião (30)

14h15

Coro da BBC / Coro da Roundhouse / Coro Gospel Comunitário de Belfast / Coro Finchley Hamber / Coro Maspindzeli Georgian / Coro Jovem de Berkshire / Coro Jovem de Hertfordshire Camden

Gough, Orlando: obra especialmente encomendada para a ocasião

+ repertório a ser definido

15h30

Northern Chamber Orchestra / Shrewsbury

Nicholas Ward, regente / Raphael Wallfisch, violoncelo

Sibelius: Suite Mignonne

Joubert, John: Concerto para violoncello (estreia mundial)

Delius: Ouvindo o primeiro cuco da primavera

Delius: Noite de verão no rio

Mozart: Sinfonia No 33 in

16h30 (ao vivo)

Orquestra Sinfônica da BBC Londres

Rory MacDonald, regente / Rufus Wainwright / Sian Phillips

Adams, John: Lollapalooza (6)

Korngold: Much Ado About Nothing Suite, Op.11 (15)

Prokofiev: Romeu e Julieta Suite (total 25')

Montagues e Capuletos (6')

Romeu e Julieta (8')

A morte de Teobaldo (4')

Romeo na tumba de Julieta (6)

Wainwright, Rufus: Cinco Sonetos de Shakespeare (30') primeira audição no Reino Unido

18h30

Aurora Orchestra / Bristol

Nicholas Collon, regente

Mozart: Adagio e Fugue

Strauss, R: Metamorfoses

Mozart: Sinfonia No. 31 ('Paris')

19h

Orquestra do Iluminismo / Londres

Lawrence Cummings, regente / Lisa Beznosiuk, flauta

Bach: Suite para orquestra No 3 BWV1068

Bach: Concerto de Brandenburg No 5

La Callas -Toujours, Paris ,1958 e uma encrenca no Rio de Janeiro em 1951.

2012-02-29T04:21:00.001-08:00

Infelizmente, a grande Callas nos deixou uma infinidade de gravações em áudio e nenhuma ópera completa em vídeo. Conheço diversas pessoas que a assistiram em São Paulo e no Rio de Janeiro em 1951. Todas garantem que o soprano grego tinha uma voz única e um talento dramático inigualável.
  Entregava-se ao personagem completamente, dava tudo de si e foi uma das precursoras em trazer as artes cênicas à ópera. Em vídeo, temos o "La Callas-Toujours": trazendo na primeira parte um concerto com peças de Bellini (Norma), Verdi (Il Trovatore) e Rossini (Il Barbiere de Siviglia). Sua voz e seu talento dramático já transparecem no concerto, saindo de um sério Trovatore para um cômico Rossini. Callas não se limita a ficar parada e cantar: mesmo em um concerto, ela interpreta. Muitas cantoras até hoje não aprenderam a lição, ficam que nem um poste.
   O melhor é a segunda parte do programa, todo o segundo ato da Tosca de Puccini, em versão completa, com cenários e figurinos. Quem a acompanha é o grande Tito Gobbi, um dos grandes barítonos da metade do século XX. Voz de massa grave, enorme e uma performance excepcional.
   Tosca e Callas tem tudo em comun. Foram feitas uma para a outra. Sua voz escura, volumosa e de timbre indefinível é perfeita para a heroína de Puccini. Sua atuação é outro fator que transforma Callas em Callas. Hoje é obrigação cantor saber atuar, mas no distante ano de 1958 era raridade. Callas foi uma das pioneiras em trazer artes cênicas à ópera.
   O gênio dela se manifestava no palco e na vida atribulada. Arrumou umas 300 encrencas pelo mundo afora. Uma delas foi no Rio de Janeiro, onde dizem ter atirado e acertado um cinzeiro no diretor do Teatro Municipal da época, Barreto Pinto.O amigão, com toda a pompa e circunstância, tentou uma cantada e se deu mal, nem imaginava com quem estava mexendo.
Meu amigo Edson Lima, um dos maiores conhecedores de ópera do Brasil e presente no teatro na época, teve a oportunidade,    nos anos 70,    de conversar com Callas. Ela jurou de pé junto que nem sequer ameaçou o dito cujo.Lenda ou realidade , não sei mas, em se tratando de Callas, tudo é possível.

kobbê-O Livro Completo da Ópera.

2012-02-29T04:17:00.000-08:00

Livro que resume os libretos de 400 óperas, dividido por país e seu respectivo compositor, acrescenta ainda a data de estréia de cada uma delas,personagens principais e sua respectiva voz, cantores que a estrearam e os principais solistas de cada papel .
Indispensável para quem gosta de ópera . Como foi escrito por vários autores existem diferenças de estilo.
Possuí comentários de 15 óperas de compositores brasileiros. Carlos Gomes é o mais comentado.
Está ulptrapassado em alguns quesitos. Nos principais cantores de cada papel ele para na década de 50 .Muitos compositores modernos nem sequer são citados.
Para o iniciante em ópera possuí bons resumos e alguns comentários interessantes. Quem quer se aprofundar no tema recomendo a Coleção História da Ópera de Lauro Machado Coelho.
Em português é o guia mais completo.

REVISTA BRAVO ELEGE MELHOR CD DO MÊS: POEMA , COMPOSIÇÃO DE MARLOS NOBRE.

2012-02-28T04:00:00.002-08:00

CD “Poema”, traz a obra completa para cello, de Marlos Nobre, compositor brasileiro de largo conhecimento no exterior e no Brasil.

A edição de março 2012 da revista BRAVO acaba de anunciar a escolha do CD “POEMA: Obra completa para violoncelo de MARLOS NOBRE” como o melhor CD de música erudita do mês, ao lado de outros três de música popular. O CD “Poema” é o único escolhido no gênero de música de concerto.
A escolha do CD “POEMA” pela equipe de Musica da Revista BRAVO, vem acompanhada do seguinte comentário da jornalista Paula Nadal da seção “CDs DO MÊS”:
“POEMA” - Leonardo Altino (Virtuosi).
Em seu Desafio II, o compositor pernambucano Marlos Nobre transpõe para o violoncelo os desafios de improviso travados entre os cantores nordestinos. A música abre o delicado e bem produzido disco “Poema”, do violoncelista Leonardo Altino, acompanhado por sua mãe, a pianista Ana Lúcia Altino.
O álbum mostra a intimidade do duo de intérpretes e registra a obra completa para piano e cello escrita por Nobre, um dos autores mais importantes depois da geração de Heitor Villa-Lobos. Ouça ainda a belíssima Partita 2 – PN.”

O CD POEMA, foi lançado em dezembro, com um concerto realizado pelo duo Leonardo e Ana Lúcia Altino, no Teatro de Santa Isabel em Recife. A gravação foi realizada no The Germantown Performing Arts Centre, Tennessee, USA, sendo produtor e engenheiro de som Jamey Lamar, co-produtor Kevin Edlin e assistente de edição digital Phil Norman. A gravação, mixagem e edição obedecem aos mais altos padrões atuais tanto artísticos como técnicos e vem merecendo os mais altos elogios em todo o mundo, pela sua elevada categoria musical e técnica.
A obra para violoncelo e piano de Marlos Nobre, começou a ser produzida em 1968, com o DESAFIO II quando o compositor participou do I Concurso Internacional de Violoncelo na Paraíba, idealizado pelo seu grande amigo o violoncelista Aldo Parisot, a quem a obra é dedicada. No mesmo ano, Marlos Nobre compôs a pedido de Aldo, uma versão do DESAFIO para ensemble de violoncelos, estreada pelo Ensemble de Violoncelos da Yale University dirigido pelo próprio Aldo Parisot e lançada em CD da CBS hoje uma raridade.
Logo o “Desafio II para cello e piano” se tornaria um “hit” entre os violoncelistas em todo o mundo, tendo recebido gravações excepcionais e sendo também obra obrigatória de concursos internacionais de violoncelistas, como por exemplo, recentemente aconteceu nos Estados Unidos (SPHINX Competition) e no México (Carlos Prieto International Cello Competition).
Posteriormente, Marlos Nobre escreveria por encomenda do Octeto Ibérico de Violoncelos uma versão ampliada da obra,c om o título DESAFIO XXXII para 8 violoncelos, gravada imediatamente por este conjunto a quem dedicou a obra e seu diretor Elias Arizcúren, no selo Channel Classic ao lado da “Três Canções Negras”, “Três Canções de Beiramar” e “Canto a Garcia Lorca”, todas elas escritas para soprano e octeto de violoncelos.
A convite do grande violoncelista brasileiro Antônio Meneses, Marlos Nobre escreveria depois a sua CANTORIA I para cello solo, uma espécie de preâmbulo à Suite em ré menor de Bach, estreada com grande êxito e gravada posteriormente em CD por Meneses. Logo, por encomenda do violoncelista Carlos Prieto, Marlos Nobre escreveria sua mais importante obra (até o presente) para violoncelo e piano, a PARTITA LATINA em 7 movimentos, estreada mundialmente e gravada no CD URTEXT imediatamente após sua estreia mundial no México, por Carlos Prieto e seu parceiro de sempre, o pianista Edison Quintana.
Também por encomenda do mesmo e célebre violoncelista mexicano Carlos Prieto, Marlos escreveria logo a seguir a CANTORIA II para cello solo (preâmbulo à Suite em dó maior de Bach) e as CANTILENAS I e II para violoncelo e piano às quais o compositor agregaria em 2009 a CANTILENA III, dedicada a Leonardo Altino, e por ele estreada no Festival Virtuosi no mesmo ano no Teatro de Santa Isabel.
A suíte TRÊS CANTOS DE IEMANJÁ (Estrela do Mar, Iemanjá ôtô, Ogum de Lê) foi escrita a partir de um pedido da grande amiga de Marlos e esposa do compositor argentino Alberto Ginastera, a fabulosa violoncelista Aurora Nátola Ginastera que faleceu antes de estrear a obra; TRES CANTOS DE IEMANJÁ foi estreada mundialmente em 2009 pelo duo Bernardo Katz e Maria Luiza Corker, na série Música do Museu em concerto totalmente dedicado em homenagem aos 70 anos de Marlos Nobre, realizado no Palácio São Clemente no Rio de Janeiro.
Enfim o POEMA III para violoncelo e piano, obra que dá titulo ao CD, é possivelmente a obra para o instrumento mais tocada e gravada de Marlos Nobre, inclusive em sua versão posterior para violoncelo e orquestra de cordas.
Trata-se de uma obra de grande lirismo e que nasceu em circunstâncias especiais, um canto de amor do compositor para sua mulher, Maria Luíza. O compositor sempre declarou que esta obra é um momento diferente, totalmente isolado em sua criação musical, um canto lírico, não “romântico”. Marlos Nobre declara no folheto explicativo que acompanha o CD que tinha lido uma afirmação de Picasso, mais ou menos assim, ao comentar críticas a seus desenhos realistas em uma determinada exposição: “Sou um pintor moderno, cubista, etc…, mas também sou capaz de pintar belos desenhos naturais”. Assim, afirma Marlos Nobre, pensando em Picasso: “Sou um compositor moderno, com uma linguagem avançada, mas também capaz de escrever uma bela melodia”.
É esta bela melodia, o POEMA para cello e piano que dá titulo a este excelente CD, que tem comovido o mundo e as mais diferentes plateias no Brasil e no exterior, com sua mensagem profunda e direta.

REPERTÓRIO DO CD

* Desafio II, OP.31/2 Bis
* Partita Latina OP. 92
- Lento-estático
- Apassionatto
- Scherzando
- Calmo
- Profundo
- Vivo
- Grave
* Poema III, OP.94 Nº 3
* Três Cantos de Iemanjá
- Estrela do mar
- Yemanjá Ôtô
- Ogum Delê
* Cantoria I
* Cantoria II
* Três cantilenas
I – Profundo
II – Fervorosamente
III – Grave e profondo

COMENTÁRIOS PARA O CD
Este CD traz todas minhas obras, escritas até hoje, para o violoncelo, este instrumento que adoro, simplesmente. E minha alegria de compositor é maior ao ter como intérprete o jovem e grande violoncelista Leonardo Altino, que considero como a maior revelação no panorama atual do instrumento em todo o mundo. Artista sensível, dotado de uma técnica perfeita, mas sempre a serviço da música, Leonardo Altino é justamente isso: o intérprete ideal para qualquer compositor. Ao lado de Ana Lúcia Altino, eles fazem um duo de extraordinária musicalidade e compreensão superior das obras.
A primeira obra que escrevi para o violoncelo, foi o DESAFIO II a pedido justamente do meu grande amigo, o violoncelista e mestre de tantas gerações Aldo Parisot. Foi no Concurso Internacional na Paraíba em 1968 que Aldo me sugeriu a obra, escrita inicialmente para um grupo de 6 violoncelistas. Eu escreveria depois e até agora um total de 50 Desafios para praticamente todos os instrumentos, chegando à orquestra de câmara e sinfônica. Este DESAFIO II tornou-se rapidamente uma espécie de “favorito” entre os violoncelistas, tendo em 2009 sido tocado por todos os semifinalistas do Concurso Internacional Carlos Prieto no México. A peça baseia-se na ideia dos “desafios poéticos” dos cantadores populares do Nordeste do Brasil, que, em longas pelejas, se desafiam mutuamente, compondo de improviso versos cada vez mais complicados. Esta tradição é secular, tendo suas origens no mundo ibérico, Portugal e Espanha. No Brasil, a invenção popular o transformaria. No meu DESAFIO II, começo com uma “cadenza” virtuosística para cello solo seguido de uma espécie de “toccata”, ou seja o “desafio” entre os dois instrumentos, com uma conotação contrapontística muito acentuada.
A PARTITA LATINA foi escrita em 2002, desta vez por encomenda de outro querido amigo, o grande violoncelista mexicano Carlos Prieto que a estreou mundialmente em 2003 no México e a gravou no selo Urtext. A obra baseia-se na ideia das partitas do século XVIII, com movimentos próprios, mas no meu caso interligados pela ideia inicial exposta pelo violoncelo. Eu poderia dizer também que são estudos de “caráter musical”, com o 1º número (Lento-Estático) expondo a ideia inicial e a desenvolvendo de forma cada vez mais complexa: o 2º (Apassionatto) é uma breve digreção melódica do tema, tratando em forma breve e dialogando com a mão esquerda do pianista; o 3º (Scherzando) é virtuosístico e sarcástico; o 4º (Calmo) explora as variantes do tema inicial desembocando em uma espécie de “habanera” enlouquecida; o 5º (Profundo) é extremamente cromático, nos dois instrumentos e intensamente calmo; o 6º (Vivo) tem um caráter virtuosístico e extremamente contrastante: o 7º (Grave) começa gravemente e paulatinamente atinge um grande clímax sonoro.
O POEMA III faz parte de outra série que comecei em 2002, dedicada também, como os “Desafios”, a praticamente todos os instrumentos da orquestra. Todas têm igualmente uma versão para solo e orquestra de cordas. A ideia do Poema partiu de um canto de amor que escrevi para minha mulher Maria Luíza. Ao mesmo tempo, me estimulou muito algo que li a respeito de Picasso que declarou um dia: “Sou um pintor cubista, sim, mas capaz de escrever belos retratos”. O POEMA III portanto é nada mais do que uma simples melodia, um canto de natureza positiva e direta.
A peça TRÊS CANTOS DE IEMANJÁ, foi baseada na minha obra de 1968 “Beiramar” para barítono e piano. Eu sempre quis escrever esta peça para o violoncelo, onde as características dramáticas e de “cantabile” tão particular do instrumento são postas em evidência. Eu fiz esta versão em 2009, especialmente para um concerto no Rio de Janeiro, em comemoração aos meus 70 anos, tendo sido a estreia com o violoncelista Bernardo Katz e a pianista Maria Luíza Corker.
As CANTORIAS são também um caso à parte. Em 2005, meu querido amigo, o grande violoncelista brasileiro Antônio Meneses me procurou com a ideia de encomendar obras a compositores baseadas nas Suítes de Bach para cello solo. Eu escolhi de imediato uma de minhas preferidas, a Suite em ré menor, escrevendo então minha CANTORIA I, que parte da ideia inicial de Bach e, a partir dela, entra em meu mundo pessoal. É como se a ideia primeira de Bach frutificasse em minha mente uma obra com seus caminhos próprios, inclusive chegando às “cantorias nordestinas” daí o título da obra. Antônio Meneses estreou a obra com enorme êxito em 2005 em São Paulo e logo depois a gravaria em CD.
No mesmo ano, me procurou mais uma vez Carlos Prieto para encomendar uma obra para violoncelo solo. Eu então propus fazer a CANTORIA II, baseada na mesma ideia da primeira cantoria, isto é, desta vez na suíte em dó maior de Bach. Mas enquanto a Cantoria I é mais melódica, esta segunda é extremamente virtuosística e endiabrada. Carlos a estreou no México em 2006.
Depois surgiriam finalmente as TRÊS CANTILENAS, sendo a primeira e a segunda por encomenda de Carlos Prieto, justamente para o concerto que ele organizou no México em homenagem aos meus 70 anos em 2009. E a CANTILENA III eu escreveria um pouco depois, ainda em 2009, para o concerto com Leonardo Altino e Victor Asunción, no XII VIRTUOSI, no qual eles apresentaram a primeira audição mundial da obra, junto com as demais “Cantilenas”.
A idéia fundamental das “Cantilenas” é simples: trata-se de obras usando a antiga forma A – A’ do barroco (como o qual minha música tem tantas aproximações, não de estilo, mas de técnica). Nestas “3 Cantilenas” uma simples ideia melódica é exposta em toda sua extensão pelo violoncelo, com uma elaborada textura contrapontística no piano e logo é repetida, mas sempre com profundas variações harmônicas e contrapontísticas.
MARLOS NOBRE
Rio de Janeiro, fevereiro de 2011

O CD pode ser ouvido em sua integralidade e baixado (Download) no seguinte enderêço do site:
http://www.virtuosi.com.br/poema/

Fonte:http://www.movimento.com/

DVD LANÇAMENTO : ÓPERA

2012-02-28T04:00:00.000-08:00

MÚSICA BRASILEIRA É TUDO DE BOM. ORQUESTRA EXPERIMENTA DE REPERTÓRIO E O ENCERRAMENTO DAS COMEMORAÇÕES DOS 90 ANOS DA SEMANA DE ARTE MODERNA DE 1922.

2012-02-27T05:26:00.003-08:00

   A Orquestra Experimental de Repertório abriu a temporada 2012 com um concerto voltado exclusivamente à música brasileira. Integrante da comemoração dos 90 anos da Semana de Arte Moderna a abertura da temporada mostrou jóias da música orquestral brasileira. Sempre ouço Bethovens , Mozarts , Vivaldis e os grandes mestres da música clássica e me esqueço da música nacional. Pode até servir de consolo, mas não estou só nesse erro.
   O programa apresentado no dia 26 de Fevereiro no Theatro Municipal de São Paulo mostra que a música brasileira pode , deve e tem condições de ser tocada em qualquer parte do globo. A festa começou com Batuque, uma alegre e excitante composição de Lorenzo Fernandez. A peça já foi regida pelo grande maestro italiano Arturo Toscanini e faz parte da suíte Reisado do Pastoreio. Batuque é pura sensualidade, expressa coloridos originais em uma música envolvente, mostra um ritmo noturno que empolga. Quando o tema central ganha toda a orquestra a música contagia, viajamos para as noites do interior do Brasil, com seu clima quente e sensual.
   Depois desse êxtase, nem deu pra respirar, vem outra pérola de Villa-Lobos. Suas óperas e musicais nunca me convenceram, mas orquestração é com ele mesmo. A fantasia para piano e orquestra Momoprecoce é uma peça de beleza única. Convence pelos belos solos do piano que evocam jogos infantis. Seus quadros são um deleite de belas melodias populares e ingênuas. Pablo Rossi entendeu a atmosfera , tocou leve e mostrou toda a gama de nuances. A Orquestra Experimental de Repertório regida pelo sempre competente Jamil Maluf entrou no clima e captou com brilho as belas melodias da partitura. Grande orquestra formada por jovens músicos.
   Um intervalo para respirar não faz mal a ninguém. Assimilar a música ouvida e conversar com os amigos. Sem querer escuto que teremos uma ópera em Abril, La Traviata de Verdi no Theatro Municipal de São Paulo. Detalhe , serão três elencos. Esse título consta na lista prévia apresentada nesse blogue algumas semanas atrás.
   Radamés Gnattali é um compositor que trafega entre o erudito e o popular. Prova é a Sinfonia Popular número 1 . Sua musicalidade é simples e direta, suas melodias com temas claros remetem a simplicidade do povo brasileiro, as ruas ao povão. A Orquestra Experimental mais uma vez deu vida a essa brilhante peça. A condução de Jamil Maluf acertou na sonoridade, mostrou todo o brilho e a simplicidade da obra.
   A Orquestra Experimental de Repertório fechou com chave de ouro as comemorações dos 90 anos da Semana de Arte Moderna. Apresentou na ensolarada manhã de Domingo excelentes compositores nacionais e músicas que encantam os ouvidos. Depois de tanta audição , um almoço em família é a melhor opção.
Ali Hassan Ayache

DIA DA MÚSICA NO MÚSEU DE PETRÓPOLIS.

2012-02-25T05:46:00.001-08:00

Museu Imperial comemora o Dia Nacional da Música Clássica em grande estilo.

A Orquestra da Universidade Católica de Petrópolis irá se apresentar no local, acompanhada pelo Coral e pelo conjunto Anima e Cuore da mesma universidade, sob regência do maestro Antônio Gastão.
É o quarto ano consecutivo em que o Museu Imperial oferece um concerto para celebrar a data, instituída em 2009 em homenagem ao aniversário do maestro Heitor Villa-Lobos. Este ano, porém, o evento será ainda mais significativo, pois comemorará também os 90 anos da Semana de Arte Moderna de 1922, na qual Villa-Lobos teve importante participação.
Seguindo a tradição dos anos anteriores, o repertório dará destaque para Villa-Lobos, mas conterá também obras de Carlos Gomes e do maestro petropolitano César Guerra-Peixe, além de músicas de autoria do maestro Gastão.
Para mais informações, entre em contato pelo telefone (24) 2245-4668, pelo e-mail mimp.someluz@museus.gov.br ou acesse http://www.museuimperial.gov.br/.

Os grupos musicais

Orquestra de Câmara UCP
Fundada em fevereiro de 1997, a Orquestra de Câmara da UCP é uma orquestra-escola, combinando músicos experientes com jovens recém-iniciados na prática instrumental. Dedicando-se principalmente à Música Sacra, possui em seu repertório clássicos de Mozart, Bach, Schubert, Purcell e outros, além de obras modernas de compositores brasileiros, como Cézar Guerra-Peixe, Carlos Cruz e Ernani Aguiar.

Anima e Cuore
O Conjunto Anima e Cuore da UCP foi fundado em novembro de 1986 e já realizou centenas de apresentações, entre as quais festivais de inverno e a homenagem aos 200 anos do falecimento do compositor Wolfgang Amadeus Mozart, no Consulado da República Federal da Alemanha. Formado por alunos e ex-alunos bolsistas da universidade, o conjunto possui um repertório extenso e variado, incluindo desde peças de compositores anônimos do período medieval até os grandes mestres do período barroco.

Coral da UCP
Criado em 1976, o Coral da UCP dedica-se especialmente à Música Sacra. Já realizou diversas apresentações por todo o país, incluindo parcerias com a Orquestra Sinfônica Brasileira e a Orquestra Petrobras Sinfônica.

Antônio Gastão
O maestro Gastão, diretor e regente dos grupos, é graduado em Composição pelo Conservatório Brasileiro de Música e teve sua formação musical aperfeiçoada sob a orientação de diversos professores. Gastão vem ainda contribuindo regularmente com a composição de trabalhos originais para a Orquestra UCP.

MUSEU IMPERIAL
E-mail: mimp.faleconosco@museus.gov.br
Site: http://www.museuimperial.gov.br/
Twitter: @museuimperial
Facebook: www.facebook.com/museuimperial
Visitação: de terça a domingo, das 11 às 18h.
Jardins: de terça a domingo, das 8 às 18h.
Preços:
- Adultos: R$ 8,00
- Estudantes, professores e maiores de 60 anos: R$ 4,00
- Menores de 7 anos e maiores de 80: gratuito
- Moradores de Petrópolis e petropolitanos, às quartas-feiras e no último domingo do mês: gratuito

SERVIÇO

Museu Imperial
Sala da Batalha de Campo Grande
Dia 4 de março, domingo, às 16h.
Entrada franca
Interessados podem retirar os convites na bilheteria do Museu a partir do dia 28 de fevereiro, das 11 às 17h30.
Telefones: (24) 2245-5550 / (24) 2245-5560

Fonte http://www.movimento.com/

DVD LANÇAMENTO: ÓPERA

2012-02-25T05:46:00.000-08:00

15 PAUS: OSESP, CONCERTOS A PREÇO POPULAR

2012-02-24T02:48:00.001-08:00

Maestro italiano assume Sinfônica de Ribeirão Preto.

2012-02-24T02:47:00.000-08:00

Após a saída do maestro Claudio Cruz da direção da Orquestra Sinfônica de Ribeirão Preto, foi anunciado que Gian Luigi Zampieri, italiano que regeu dois concertos com a orquestra em dezembro de 2011, acaba de retornar ao Brasil para assumir o posto de regente-titular do grupo.

Nascido em Roma, Gian Luigi rege o primeiro programa como regente-titular no dia 10 de março, no Teatro Pedro II, com árias e trechos de óperas de Puccini, Leoncavallo, Mozart e Verdi e também a Sinfonia nº 4 de Brahms, com a participação da soprano Daniella Carvalho.
Também foi anunciada a contratação de Mariângela Quartim para o cargo de gestora da orquestra.
Fonte:
http://www.concerto.com.br/

MAESTRINA LIGIA AMADIO REGE NAS ÁRABIAS.

2012-02-23T05:31:00.000-08:00

"A SERVA PATROA" , BASEADA EM OBRA DE PERGOLESI EM BH.

2012-02-23T03:18:00.000-08:00

Produção com a participação da Orquestra Sinfônica de Minas Gerais faz parte da programação da 38ª Campanha de Popularização do Teatro e da Dança.

A DrammAto – Núcleo de Ópera e Teatro Musical e a Fundação Clóvis Salgado trazem ao Grande Teatro do Palácio das Artes a ópera “A Serva Patroa”, ópera em um ato, dentro da programação da 38ª Campanha de Popularização do Teatro e da Dança, uma versão em português da obra de Giovanni Battista Pergolesi “La Serva Padrona”.
Estreada nos palcos mineiros em 2009, a produção terá participação da Orquestra Sinfônica de Minas Gerais, sob a regência do maestro Daniel Kostás, que assina também a direção musical do espetáculo. A versão em português, assim como a direção geral e cênica é da atriz e cantora Ana Taglianetti.
No elenco, a soprano Fabíola Protzner, considerada a grande revelação lírica mineira do ano de 2011, vive a personagem Serpina, a serva que quer virar patroa. O premiado cantor lírico carioca Lício Bruno é Uberto, o patrão de Serpina, e o ator mineiro Paulo Víctor interpreta Vespone, o também criado da casa de Uberto.
Após estreia de sucesso na abertura do 1º Festival de Teatro Musical de Belo Horizonte, o espetáculo foi apresentado também nos Festivais de Inverno de Vespasiano e de Música de Divinópolis. “A Serva Patroa” marca seu retorno aos palcos da capital mineira e promete, além de excelente música, muita diversão.

Sinopse
Serpina (Fabíola Protzner) trabalha e vive na casa de Uberto (Lício Bruno), seu patrão, que a criou desde pequena. Já mulher, a empregada Serpina está decidida a conquistar o coração de Uberto e, assim, tornar-se a patroa da casa. Construindo mil e uma artimanhas engraçadíssimas com a ajuda do criado Vespone (Paulo Víctor), Serpina acaba conquistando o amor de Uberto. Nessa jornada de conquista amorosa, descontraída e divertida, a plateia participa como cúmplice dos acontecimentos.

SERVIÇO

Grande Teatro do Palácio das Artes
Avenida Afonso Pena 1537, Centro, Belo Horizonte – MG
Dia 25.02, às 21h. e 26.02, às 20 h.
Ingressos: o valor não foi informado

FONTE: http://www.movimento.com/

CONCURSO OSPA PARA JOVENS COMPOSITORES.

2012-02-23T03:17:00.000-08:00

Depois das etapas que selecionaram jovens solistas e regentes, Ospa irá revelar, pela primeira vez, jovens talentos da composição.

A Orquestra Sinfônica de Porto Alegre está realizando a segunda etapa da 17ª edição do Concurso Ospa para jovens músicos. Desta vez, serão premiados até três jovens compositores, com até 35 anos de idade, brasileiros ou estrangeiros, residentes no Brasil ou exterior. As inscrições estarão abertas de 1º a 20 de março. O objetivo do concurso é oportunizar que novos compositores tenham sua obra divulgada e executada pela Ospa.
É a primeira vez que o concurso terá uma categoria destinada a compositores. “Estamos muito contentes por dar a oportunidade para novos compositores estrearem suas obras junto a uma grande orquestra, que é a Ospa. É uma forma de revelar novos talentos, incentivar a música orquestral e, principalmente, estimular o trabalho de jovens compositores” – afirma o diretor artístico da Ospa, maestro Tiago Flores.
Os candidatos poderão inscrever-se diretamente na sede administrativa da FOSPA (Av. 24 de Outubro, 850 / 305 – Porto Alegre), ou via sedex. Deverão ser entregues ou enviados no mesmo envelope três cópias impressas da partitura, digitalizada em computador, da composição concorrente, três CDs de áudio, com midi, onde conste título da obra, minutagem e o ano de composição, a ficha de inscrição totalmente preenchida, onde consta nome do proponente e título da obra proposta, declaração de liberação de direitos autorais assinada, declaração de ciência e concordância com regulamento do concurs, assinada e um breve currículo com foto.
A composição deverá ser inedita, não tendo sido estreada ou publicada até finalização do concurso, ter duração de 7 a 10 minutos e ser escrita para a formação orquestral da Ospa.
Serão duas etapas de seleção: fase eliminatória e final, que ocorre no dia 20 de abril. Os vencedores serão divulgados no site da Ospa.

Sobre o Concurso Ospa para jovens Solistas, Regentes e Compositores
O tradicional Concurso da Ospa é realizado há mais de 20 anos e já revelou inúmeros talentos da música que são conhecidos do público hoje. Alguns exemplos disso são o atual diretor artístico da Ospa, maestro Tiago Flores, que foi vencedor do concurso em 1988, e o regente do Coro Sinfônico da Ospa, maestro Manfredo Schmiedt. Além deles, o pianista Alexandre Dossin e o violinista Carmelo de los Santos – considerados grandes nomes da atualidade – foram premiados no Concurso.
“O concurso dá a oportunidade para que jovens músicos se apresentem com uma orquestra – o que é muito difícil no início de carreira. É uma função cultural muito importante, pois releva talentos, abrindo espaço e projetando novos músicos no cenário” – afirma Tiago Flores.
Em 2011, o Concurso recebeu inscrições dos Estados Unidos, Europa e de diversos Estados do Brasil. De todos os inscritos, foram premiados 11 jovens músicos, entre solistas instrumentistas, solistas vocais e regentes, das cidades Rio de Janeiro, Brasília, São Paulo, Ribeirão Preto, Florianópolis, Porto Alegre e Santa Maria.
Conheça os vencedores da etapa jovens solistas e regentes: http://www.ospa.org.br/?p=3342
Acesse o regulamento do concurso e o formulário de inscrição: http://www.ospa.org.br/wp-content/uploads/2011/12/XVII-CONCURSO-OSPA.pdf

Fonte: http://www.movimento.com/

A PERSONALIDADE DOS COMPOSITORES EM SUA MÚSICA (2) ARTIGO DE MARCUS GÓES NO BLOG DE ÓPERA E BALLET.

2012-02-22T04:42:00.000-08:00

Beethoven: é este um compositor cuja obra mais reflete sua personalidade e sua vida privada.

Continuando artigo anteriormente publicado, abordemos o tema tendo como personagem único um dos dois ou três compositores mais fundamentais da história da música: Ludwig Van Beethoven (Bonn, Alta Renânia, 1770/ Viena, 1827).
LvB nasceu exatamente em um período em que os ideais liberais do Iluminismo se contrapunham a um passado de autoridade absoluta da Igreja Católica, dos soberanos , da nobreza, do clero e dos grandes proprietários de terras. Assim, ainda muito jovem, tomou contato com as ideias e teorias de liberdade da Revolução Francesa.
Desde os cinco anos de idade, LvB começou a estudar piano e música, pois seu pai, alcoólatra contumaz, desejava fazer dele um novo prodígio semelhante ao que havia sido Mozart. O alcoolismo do pai trazia sérias dificuldades financeiras à família. Foi dentro desses aspectos que LvB começou a formar sua personalidade, cuja característica predominante foi, desde o início, um profundo inconformismo.
Aos dezessete anos é enviado a Viena e toma contato “ in loco” com o formalismo do Classicismo de Haydn, Mozart, Salieri e outros, para os quais a forma tinha tanta importância quanto o conteúdo, com as exceções do que começava a ocorrer em certas obras de Mozart. Pouco mais tarde em Viena, conheceria de perto as novas teorias literárias e artísticas do Sturm und Drang, movimento que seria uma das vigas mestras da formação do Romantismo. Beethoven percebe que o momento é de mudanças.
Por volta de 1791, começa a ser aceito como pianista virtuoso e, logo em seguida, publica suas primeiras obras, uma coleção de três trios para piano, violino e violoncelo que é o seu opus 1. Nesses trios já se pode notar claramente um esqueleto clássico permeado de ornamentos, acordes inesperados, contrastes e antagonismos que serão o reflexo dos inconformismos de LvB jovem em sua obra. Quem quiser, confira no Youtube.
As três sonatas para piano opus 2, publicadas em 1794/5, são exemplo ainda maior de obra de um compositor rebelde e inconformado. Essas sonatas também podem ser ouvidas no Youtube. Notem a violência de certos acordes, o cromatismo de certas escalas, o clima geral atormentado, retrato da personalidade de um artista que não se sentia feliz nem com sua vida particular nem com o ambiente musical de um Classicismo agonizante.
Mas o grande drama ainda estava por vir. Por volta de 1796, problemas auditivos se manifestam, o que leva Beethoven a vários tipos de tratamento que não surtem efeito. Deprimido e inconformado, isola-se, deixa de produzir, escreve em 1802 o famoso Testamento de Heiligenstadt, verdadeiro manifesto de queixas e inconformismos.
Essas queixas e inconformismos se consubstanciarão em sua Sinfonia n.3 em mi bemol maior, apelidada Eroica (1803), que é tida pela maioria dos estudiosos como a obra que dá início ao Romantismo musical. Com efeito, essa sinfonia, com sua economia temática, seus acordes surpreendentemente repetidos, seus antagonismos rítmicos, sua indisciplina formal (não contém um minueto, imaginem !!, mas um Scherzo em seu lugar !!), sua mistura dramática, na qual lamentações fúnebres se combinam com jocosas filigranas, é o reflexo de um artista inconformado, doente dos ouvidos, de relação difícil com as mulheres, influenciado até a medula até pela literatice barata de poetúculos que seguiam as pegadas de Goethe e Schiller.
Triste e revoltado com o que achava um destino injusto e cruel, sua obra reflete essa revolta e temos então aí um fato comum na história das artes, no qual a tristeza, a revolta e o sofrimento dos autores produzem obras primas de extrema beleza. Quanto maiores os problemas e sofrimentos de Beethoven, mais belas e cheias de gênio criador suas obras, inauguradoras de uma nova fase na história da música.
QUID SUM MISER TUNC DICTURUS
Marcus Góes – FEV 2012

Fonte: http://www.movimento.com/

OS MELHORES E OS PIORES DE 2011 PELO BLOG DE ÓPERA E BALLET: REVELAÇÃO LÍRICA , ATALLA AYAN

2012-02-20T05:02:00.000-08:00

Atalla Ayan

Em um recital de verão promovido pelo Metropolitan Opera House, no Central Park, em Nova Iorque, o crítico Allan Kozinn, do jornal The New York Times, considerou o substituto “um achado” . Atalla Ayan substituia o tenor Dimitri Pittas que havia adoecido; agarrou a chance e cantou quatro árias de diferentes óperas para cinco mil pessoas. Infelizmente, eu não estava na grande maça nesse dia - aliás eu nunca fui para a terra do tio Sam.

Descobri o tenor Atalla Ayan em Agosto de 2011, em uma récita da ópera Romeo et Julliete, de Gounod, no Theatro São Pedro/SP e fiquei maravilhado com sua voz. Os comentários abaixo dizem muito sobre esse grande tenor paraense:
"O tenor Attala Ayan mostrou todo seu talento como Romeo . Sua voz tem grande qualidade vocal, luminosa e com um timbre agradável. Seus agudos são claros e consistentes em toda a récita. Sua voz transmite as diversas facetas do personagem, tem o brilho e seduz em todos os registros. Matizada de ouro, penetrante, sublime. Seu Romeo não é um apaixonado ingênuo , é um homem que corre atrás de seus sonhos. A voz de Atalla Ayan vai estar nos grandes teatros do mundo em breve. Aproveitemos que ele canta por estas terras, logo mais só o veremos na Europa ou nos States." - Comentário publicado no Blog de Ópera e Ballet em Agosto de 2011.
Ali Hassan Ayache

A TEMPORADA DA OSUSP, 2012 - SALA SÃO PAULO

2012-02-20T04:55:00.000-08:00

11 de março, domingo, 17hRegente: Wagner Polistchuk
Solista: Elizabeth Pitcairn - Violino (Estados Unidos)

Concerto de Abertura da Temporada: O Violino Vermelho

John Adams (1947)
Lollapaloosa - 7’
Felix Mendelssohn (1809-1847)
Concerto para Violino em Mi Menor, Op. 64 – 29’
Witold Lutoslawski (1913-1994)
Abertura para cordas – 5’
Dmitri Shostakovich (1906-1975)
Sinfonia nº 1 em Fá Menor, Op. 10 – 32’

15 de abril, domingo, 17h
Regente: Ligia Amadio
Solista: Susan Fancher - Saxofone Soprano (Estados Unidos)

Concerto Latino e Americano

Claudio Santoro (1919-1989)
Frevo – 3’
Mark Engebretson (1964)
Concerto para saxophone soprano e orquestra – 20’
Alberto Ginastera (1916-1983)
Suite do ballet Estancia – 13’
Leonard Bernstein (1918-1990)
West Side Story: Symphonic Dances – 22’
Cyro Pereira (1929-2011)
Aquarela de Sambas – 9’

19 de maio, sábado, 21h
Regente: Marcelo Lehninger
Solista: Sônia Goulart - Piano

Grandes Quadros

Franz Joseph Haydn (1732-1809)
Sinfonia nº 88 em Sol Maior – 24’
Ludwing Van Beethoven (1770-1827)
Concerto para Piano nº 4 em Sol Maior, Op. 58 – 33’
Modest Mussorgsky (1839-1881)
Quadros de uma Exposição – 35’

03 de junho, domingo, 17h
Regente: Ricardo Bologna
Solistas: Ariadne Oliveira - Mezzo-soprano
Leonardo Pace - Barítono

Série Elementos: Fogo

Eduardo Guimarães Álvares
Obra encomendada (2012) – 15’
Participação: CoralUSP (vozes femininas)
Manuel de Falla (1876-1946)
El Amor brujo: Ballet Suite – 25’
Jean Sibelius (1865-1967)
Tulen Sinty - A Origem do Fogo, Op. 32 – 10’
Participação: CoralUSP (vozes masculinas)
Igor Stravinsky (1882-1971)
O Pássaro de Fogo (versão 1919) – 21’

19 de agosto, domingo, 17h

Regente: Ligia Amadio
Solista: Antônio Del Claro - Violoncelo

Concerto em homenagem aos 50 anos de carreira de Antônio Del Claro

Claude Debussy (1862-1918)
Prélude à L’Après-midi d’un Faune – 10’
Nino Rota (1911-1979)
Concerto nº 1 para Violoncelo e Orquestra – 26’
Claude Debussy (1862-1918)
La Mer (O Mar) - 3 Episódios Sinfônicos – 23’

15 de setembro, sábado, 21h
Regente: Nicolás Pasquet (Alemanha)
Solista: Claudio Micheletti - Violino

Série Elementos: Água

Bedrich Smetana (1824-1884)
‘Vltava’ (O Moldávia) – 12’
Piotr IlyichTchaikovsky (1840-1893)
Concerto para Violino em Ré Maior, Op. 35 – 33’
Johannes Brahms (1833-1897)
Sinfonia nº 2 em Ré Maior, Op. 73 – 40’

28 de outubro, domingo, 17h
Regente: Wagner Polistchuk
Solista: Ivana Marija Vidovic - Piano (Croácia)

Série Elementos: Terra
Em Homenagem ao Maestro Eleazar de Carvalho - 100 anos

Antonio Carlos Gomes (1836-1896)
Il Guarany - Protofonia – 10’
Heitor Villa-Lobos (1887-1959)
Momoprecoce, Fantasia para piano e orquestra – 28’
Omar Fontana/Alfred Hülsberg (1927-2000)
Tumucumaque, da Suite Transbrasil – 10’
Mozart Camargo Guarnieri (1907-1990)
Sinfonia nº 2 (Uirapurú) – 30’

24 de novembro, sábado, 21h
Regente: Ricardo Bologna
Solista: Michel Bellavance - Flauta (Suíça)

Concerto Bernstein, Bartók e Krieger

Béla Bartók (1881-1945)
Música para Cordas, Percussão e Celesta, BB114, Sz. 106 – 34’
Leonard Bernstein (1918-1993)
Halil - Noturno para Flauta solo, orquestra e percussão – 16’
Edino Krieger (1928)
Choro para Flauta e Cordas – 7’
Béla Bartók (1881-1945)
O Mandarim Maravilhoso, Op. 19a, BB82, Sz. 73a – 22’

16 de dezembro, domingo, 17h
Regente: Wagner Polistchuk
Solista: Grupo Madeira de Vento (Quinteto de Clarinetas)

Série Elementos: Ar
Cláudio de Freitas
Ismália para coro misto e orquestra, sob poema de Alphonsus de Guimaraens – 15’
Participação: CoralUSP
Boris Alexandrovich Tchaikovsky (1925-1996)
The Wind Of Siberia (O Vento da Sibéria) – 16’
Fernando de Oliveira
Concertino para Quinteto de Clarinetas, Cordas e Percussão – 15’
Gustav Holst (1874-1934)
Os Planetas, Suite para Orquestra e Coro Feminino, Op. 31, H. 125 – 50’

Ensaios Abertos no Colégio Santa Cruz:
Rua Orobó, 277, Alto de Pinheiros
sextas-feiras - 12h às 13h (Entrada Franca)

09 de março
13 de abril
18 de maio
01 de junho

ALTERAÇÕES E CANCELAMENTOS:
Sendo a programação sujeita a alterações, informamos que:
- eventuais alterações serão divulgadas no site www.sinfonica.usp.br;
- no caso de mudança de obra ou artista, não serão efetuadas trocas ou devoluções.

OS MELHORES E OS PIORES DE 2011 PELO BLOG DE ÓPERA E BALLET: MELHOR ESPETÁCULO DE ÓPERA, A VALQUÍRIA DO THEATRO MUNICIPAL DE SÃO PAULO.

2012-02-18T06:31:00.000-08:00

A Valquíria , produzida pelo Theatro Municipal de São Paulo, foi a grande ópera de 2011. Solistas , orquestra, produção e direção deram vivacidade e transformaram a monumental ópera de Richard Wagner no grande evento lírico do ano.
   Apesar de começarem pela segunda parte e imaginarem que a tetralogia de Richard Wagner não tem ligação, como se fossem histórias independentes, A Valquíria esteve em ótimo nível e muito à frente das outras óperas apresentadas em São Paulo.
   A direção do Theatro Municipal de São Paulo talvez encene, em 2012, O Crepúsculo dos Deuses, quarta e última parte da tetralogia. Já tem cantor convidado.
  Tudo fora de ordem, mas, se o nível estiver igual ao da Valquíria teremos um grande e longo espetáculo.

DIVULGAÇÃO: Série TUCCA Aprendiz de Maestro Temporada 2012‏.

2012-02-18T06:28:00.000-08:00

ANDRADIANA, ESPETÁCULO EM UM PRÓLOGO E DOIS QUADROS NO THEATRO MUNICIPAL DE SÃO PAULO.

2012-02-17T05:25:00.000-08:00

   Andradiana é o segundo espetáculo do Theatro Municipal de São Paulo em homenagem aos 90 anos da Semana de Arte Moderna. Composto por Prólogo e dois quadros. Primeiro quadro Suíte Vila Rica , segundo quadro ópera Pedro Malazarte, ambas de Camargo Guarnieri.
   O Prólogo foi apresentado no saguão, escadarias e em diversas partes do teatro, com pequenos números de dança, canto e coral. Começou cedo, uma hora antes do início do espetáculo, a maioria do público não viu a maior parte da apresentação. Tudo evoca a Semana de Arte Moderna , com danças estranhas, poemas declamados sem nexo e intervenções do coro. Quem chegou em cima da hora pode se sentir prejudicado, o horário oficial do início do espetáculo é as 20:00 horas, mas não perdeu grande coisa.
   A Suíte Vila Rica de Camargo Guarnieri foi executada pela Orquestra Sinfônica Municipal sob a batuta de Carlos Moreno, o Balé da Cidade de São Paulo foi o responsável pela dança. A condução foi primorosa, uma bela sonoridade, sem microfonia e com realce nas cores e nas nuances da música de Guarnieri. A coreografia de Lara Pinheiro repetiu uma fórmula manjada na dança. Passos "modernos" que existem em diversas coreografias anteriores, tudo parece mais do mesmo nas apresentações do Balé da Cidade de São Paulo. Bailarino levantando a solista, um pouco de homossexualismo , sempre dois passos pro lado e nada de inovação. Assistir ao Balé da Cidade de São Paulo  é como assistir um filme de sexo explícito, quem viu um sabe como os outros serão.
   Cleber Papa é o destaque em Pedro Malazarte. A ópera de Camargo Guarnieri ganhou vitalidade e força com as belas ideias do diretor. Transformou os três protagonistas em seres cômicos com cores berrantes nas roupas, colocou o coral nas cadeiras da platéia, vestidos com roupas do dia a dia, o gato e a folha de madeira viraram dois bailarinos. O cenário minimalista, em preto e branco, com a reprodução do Abaporu de Tarsila do Amaral foi uma bela sacada modernista.

   Os três solistas estiveram em grande noite. Sebastião Teixeira fez um Pedro Malazarte com voz pujante, forte e madura. Tirou de letra as partes ágeis de sua apresentação, me surpreendeu. Foi a primeira vez que o vi com cabelo, cabelo não, uma bela peruca. Atuação convincente. Ednéia de Oliveira convenceu como a Baiana, sua voz tem belos graves de mezzo-soprano, que exprimem força ao personagem. Eric Herrero tem bons agudos, leves e de bom timbre, embora tenha pecado algumas vezes no fraseado.
Sebastião Teixeira.
Ali Hassan Ayache

OS MELHORES E OS PIORES DE 2011 PELO BLOG DE ÓPERA E BALLET: MELHORES CDs

2012-02-17T05:23:00.001-08:00

MAGDALENA, DE VILLA-LOBOS, PARA EUROPEU VER.

2012-02-16T04:05:00.000-08:00

   Magdalena, obra musicada por Villa-Lobos é de difícil definição. Superior e mais elaborada que os musicais da Broadway e mais simples que as óperas contemporâneas. Alguns a definem como uma opereta moderna. Estreou, em 1948 nos Estados Unidos, ficou três meses em cartaz , andou por cidades importantes como Los Angeles, São Francisco e Nova Yorque e caiu no esquecimento.
Bernstein com sua West Side Story ou Candide fez algo parecido, trazer a linguagem e a complexidade da ópera para a Broadway. A diferença é que um era bissexual , gringo e louvado na América e o outro é brasileiro.
   Villa-Lobos utiliza vários trechos de composições anteriores suas em Magdalena. Bachianas Brasileiras número 4, Impressões Seresteiras , trechos da ópera Izath e  marchinhas de carnaval inspiradas no cotidiano brasileiro. A peça tem bons achados musicais, as duas árias de Teresa são interessantes , os duetos entre Pedro e Maria mostram um belo lirismo romântico .
   Magdalena é apresentada pela primeira vez no Theatro Municipal de São Paulo em comemoração aos 90 anos da Semana de Arte Moderna. A produção é originária do Theatre du Chatelet- Paris - 2010. Cenários exuberantes, feitos no capricho, que abusam do clichê sul americano :  Belas jovens usando roupas carnavalescas, pássaros com penas coloridas e toda a exuberância dos trópicos. Quando a ação se transfere para a cidade luz a coisa muda, vemos e sentimos toda a efervescência de Paris. Os figurinos são corretos e condizentes com a obra. A luz é destaque, realça o colorido orquestral e transfere uma beleza aos cenários. O Padrão europeu de produção é elevado, podemos constatar nessa obra.
   A produção do Theatro Muncipal de São Paulo optou , mais uma vez , por usar microfones em cantores e orquestra. Esta virando moda microfonar tudo , uma perigosa rotina. A equalização esteve um horror, ouvia-se a orquestra e a voz dos solistas desaparecia por completo em diversas cenas. Trechos com orquestração forte, coro e solistas soavam alto demais, incomodavam a pestana do senhores de terceira idade. Solistas encobertos pelo barulhão da orquestra, ninguém merece uma sonoridade dessas. É preciso repensar a necessidade de usar esse tipo de recurso.
   Os solistas , todos eles profissionais tarimbados da ópera, tiraram de letra. Não comento vozes que cantam com microfones. O Coral Lírico Municipal esteve em bom nível, fato esse já rotineiro. Os dançarinos executaram com facilidade as simples coreografias. A Orquestra Sinfônica Municipal nas mãos de Luís Gustavo Petri soou sempre alta, os erros na equalização prejudicaram e distorceram a sonoridade.
   Magdalena é uma obra interessante, uma curiosidade musical. Não é o principal trabalho de Villa-Lobos, é uma colcha de retalhos de composições anteriores. Vale a pena ser vista pela beleza da produção vinda da França, que realça o exótico das terras da América do Sul. Pena que os erros de equalização atrapalharam toda a musicalidade.

Ali Hassan Ayache

OS MELHORES E OS PIORES DE 2011 PELO BLOG DE ÓPERA E BALLET: MELHORES DVD's BALÉ

2012-02-16T04:04:00.000-08:00

Grande Coppélia parisiense.

Grandes bailarinos em excelente produção londrina.

Um box com três grandes coreografias. Altamente recomendável.

OS MELHORES E OS PIORES DE 2011 PELO BLOG DE ÓPERA E BALLET: MELHOR ORQUESTRA , FILARMÔNICA DE MINAS GERAIS.

2012-02-15T03:05:00.001-08:00

O trabalho de reformulação iniciado em 2008, na Orquestra Filarmônica de Minas Gerais, feito por Fabio Mechetti, trouxe excelentes resultados . O diretor artísitico e regente títular imprimiu seu estílo à orquestra das alterosas , transformando-a em uma das melhores do Brasil.
Ganhador do Prêmio Carlos Gomes em 2009, tem como caracterísitica mesclar em seu repertório obras eruditas complexas sem esquecer da música nacional. Ganha o Palácio das Artes, ganha o povo de Minas Gerais com tão importante orquestra e ganha o pova brasileiro com as excursões que a Orquestra Filarmônica faz pelo Brasil.

CARLOS GOMES: MARIA TUDOR , SOFIA 1998. ARTIGO DE HUGO SANTOS NO BLOG DE ÓPERA E BALLET.

2012-02-15T02:59:00.002-08:00

Carlos Gomes

Em termos operáticos, a segunda metade do século XIX italiano encontra-se, grosso modo, dominada pela produção de um compositor: Giuseppe Verdi. Figura de altíssimo relevo na cultura italiana, o génio do Mestre de Bussetto logrou eclipsar muitos dos seus contemporâneos, a maioria dos quais encontram-se completamente olvidados nos nossos dias. Exceptuando nomes como Amilcare Ponchielli, cuja principal ópera - La Gioconda - permanece no reportório dos principais teatros líricos, Filippo Marchetti - recordado, sobretudo, pelo seu Ruy Blas, baseado na obra homónima de Victor Hugo -, Alfredo Catalani, apologista da corrente wagneriana, e algumas figuras identificadas com o movimento artístico conhecido como Scapigliatura, designadamente, o compositor e libretista Arrigo Boito, um outro nome que, amiúde, é invocado em ligação com este período é o do compositor brasileiro Carlos Gomes.

Nascido a 11 de Julho de 1836 na cidade de Campinas, cedo começa a revelar uma particular apetência pelo estudo de partituras operáticas, nomeadamente da obra verdiana. O interesse manifestado pelo jovem Gomes face ao universo da Lírica produziria os primeiros frutos no dia 4 de Setembro de 1861, data em é apresentada, na cidade do Rio de Janeiro, a sua primeira ópera: A Noite do Castelo. Baseada na obra de um dos principais vultos do romantismo literário português - António Feliciano de Castilho -, a composição granjeia um enorme sucesso e admiração por parte do público, constituindo-se um inequívoco triunfo para o jovem compositor. Cerca de dois anos mais tarde, a 15 de Setembro de 1863, Carlos Gomes vivencia uma nova jornada de glória ao levar à cena o seu segundo título - Joana de Flandres -, novamente com texto em português, desta feita do escritor brasileiro Salvador de Mendonça. O reconhecimento definitivo da elite musical brasileira não se fez tardar. Nesse mesmo ano, parte para Itália onde estuda no Conservatório de Milão com o compositor Lauro Rossi. Em 1866, surge uma primeira obra cénica – a opereta Se sa minga, em dialecto milanês - a qual tem seguimento com nova incursão em moldes similares: Nella luna (1868).

Não obstante o relativo prestígio proporcionado por estas duas obras no meio musical da capital lombarda, faltava um impulso definitivo que o catapultasse para a primeira linha da Lírica italiana. A materialização dos anseios do jovem Gomes dar-se-ia por intermédio da obra de um dos mais destacados nomes da literatura brasileira: O Guarani de José de Alencar. Com libretto a cargo de Antonio Scalvini, estavam lançados os fundamentos para a composição daquela que, até hoje, se perfila como a ópera mais emblemática do compositor: Il Guarany. O enredo, propiciando uma ambiência marcadamente exótica, colocava em cena índios Guaranis e Aimorés, nobres portugueses e aventureiros espanhóis e possibilitava o amplo desenvolvimento de sonoridades que conferissem uma distintiva cor local à partitura. A estreia deu-se a 19 de Março de 1870 no Teatro Alla Scala, tendo redundado num êxito absoluto de repercussões intercontinentais.

Os anos subsequentes assistiram ao surgimento de novos títulos: em 1873, o Teatro Alla Scala estreava Fosca com libretto de Antonio Ghislanzoni (responsável pela Aida de Giuseppe Verdi), considerada por Gomes como a sua melhor obra. Ghislanzoni voltaria a ser o autor do texto de uma nova ópera do compositor, desta feita, Salvator Rosa, apresentada no Teatro Carlo Felice de Génova em 1874. Baseada na novela "Masaniello" de Eugéne Mirecourt, a obra retratava a revolta liderada pelo pescador Tomas Aniello contra o domínio da Espanha dos Habsburgo na Nápoles do século dezassete. Cinco anos depois, o principal teatro lírico milanês voltaria a estrear uma composição de Carlos Gomes - Maria Tudor -, com libretto de Emilio Praga a partir do drama com o mesmo título de Victor Hugo. Anos mais tarde, naquela que se viria a constituir enquanto a derradeira fase criativa do compositor, são levadas à cena as óperas Lo schiavo (Rio de Janeiro, 27 de Setembro de 1887), Condor (Teatro Alla Scala, 3 de Fevereiro de 1891), obra reveladora de uma acentuada maturidade composicional, caracterizada pelo emprego de novas formas que privilegiassem um discurso musical mais contínuo e ainda o poema vocal-sinfónico Colombo, estreado a 12 de Outubro de 1892 na cidade do Rio de Janeiro. Carlos Gomes viria a falecer em Belém do Pará a 16 de Setembro de 1896.

Estreada a 17 de Março de 1879, Maria Tudor, a sexta ópera do compositor, serve-se de um romance de Victor Hugo, adaptado por Emilio Praga e, posteriormente, concluído por Giuseppe Zanardini e Ferdinando Fontana, o qual ficciona os amores ilícitos da monarca britânica, desta feita, com um jovem conde de nome Fabiano Fabiani e a traição deste, sob falsa identidade, com uma humilde orfã, Giovanna. Após um período de menor sucesso imediatamente posterior ao franco êxito de Il Guarany, designadamente, com Fosca, o mais recente título de Gomes pretendia revitalizar o estatuto do compositor, um processo que havia sido inicializado com Salvator Rosa. Para tal, contava com um destacado elenco no qual avultavam o soprano Anna D'Ageri no papel-titular, Francesco Tamagno a cargo do sedutor Fabiani, Emma Turella no papel de Giovanna, o barítono Giuseppe Taschmann como o embaixador espanhol Don Gil e o notabilíssimo baixo belga Edouard De Reszke como Gilberto, um velho lenhador, tutor de Giovanna, desta enamorado. Contudo, o ambiente particularmente agreste que se havia instalado no meio musical milanês, marcado pelo aceso conflito entre as duas mais influentes empresas de edição de partituras, respectivamente, controladas pelos principais teatros da capital lombarda - Teatro Alla Scala e Teatro dal Verme - assegurou que qualquer novo título seria alvo de um crivo particularmente intransigente na sua severidade por parte do público. O fiasco que aguardava Maria Tudor era, praticamente, inevitável. Instantaneamente, ecos da rejeição estenderam-se a outros palcos italianos, inviabilizando o granjeio de idêntico sucesso ao de algumas das óperas que a antecederam.

Actualmente, não obstante o plano secundário ocupado por Carlos Gomes no âmbito do romantismo operático italiano, diversos foram os intérpretes de monta que, quer em palco, quer por intermédio de registos fonográficos, não se eximiram a incluir algumas das mais significativas páginas do campinense no seu legado discográfico. Ao longo do século XX, nomes como Enrico Caruso ou, mais recentemente, Placido Domingo tem contribuído para assegurar um nível mínimo de difusão de esparsas parcelas da produção do compositor. No Brasil, em idêntico período temporal, a obra de Carlos Gomes tem tido uma presença frequente nas temporadas dos mais representativos centros líricos, contando, inequivocamente, com a interpretação de alguns dos mais reverenciados cantores líricos brasileiros, entre os quais, Niza de Castro Tank, Assis Pacheco, Paulo Fortes, Aracy Bellas Campos, Diva Pieranti, Lourival Braga, Ida Miccolis, Benito Maresca, Áurea Gomes ou Fernando Teixeira. Todavia, e contrariamente ao expectável, para além de intérpretes autóctones afamadas figuras da cena internacional tomaram parte em produções levadas à cena em solo brasileiro. A tal ponto que, uma das mais eminentes Divas italianas da primeira metade do século vinte - Gina Cigna – não se coibiu de incluir uma breve impressão da sua abordagem de algumas das óperas do compositor no livro The Last Prima Donnas da autoria de Lanfranco Rasponi:

"My list of offbeat roles is very long. In Brazil I sang in Lo schiavo by Carlos Gomes, their greatest operatic composer, even in Campinas, his birthplace. As I was always most particular about my costumes – I had my own and would never accept engagements if there was any question about this – I made inquiries about the opera, and the answer was ‘Senhora, bracelets and necklaces, and that is all.’ I managed somehow to follow these instructions. In Rio de Janeiro and São Paulo I also appeared in Gomes’ Maria Tudor – not superior music by any means, a potpourri of sundry other composers; but this Brazilian composer had a great sense of the theatre, and there never was a dull moment.”

Conquanto, em termos puramente musicais, a globalidade da produção de Gomes possa ser adversamente cotejada com a obra alguns dos seus contemporâneos, designadamente, Giuseppe Verdi, o estilo composicional denota um continuado esforço na invenção de linhas melódicas, minimamente, sugestivas ainda que nem sempre revestidas de um carácter memorável. O emprego das massas orquestrais, longe de indiciar qualquer inovação, encontra-se incrustado na melhor tradição romântica italiana. Contudo, tal como observado no parágrafo precedente, sobressai a particular atenção depositada na necessidade de criação de um efectivo e constante momentum dramático, potencialmente, gerador de uma torrente de exaltação capaz de envolver o público.

Em audição, dois segmentos, francamente, ilustrativos da manifesta teatralidade que perpassa a ópera: a grande cena da monarca que conclui o segundo acto, imediatamente, após ser confrontada com a traição de Fabiani (Vendetta! Vendetta!) e a ária que principia o acto quarto (Piu intensamente io l’amo...Oh! Mie notti d’amor). Como forma de suplemento, incluímos o concertante do terceiro acto, no qual Fabiani é denunciado perante a Corte (Su te, sciagurato).

Em função da superior fidelidade sonora comparativamente aos demais registos que compõe a reduzida discografia da obra, o Memória da Ópera elegeu uma gravação efectuada ao vivo na Ópera Nacional de Sófia (Bulgária), a 6 de Novembro de 1998. Com direcção orquestral a cargo de Luís Fernando Malheiro, formavam o elenco: Eliane Coelho (Maria Tudor), Kostadin Andreev (Fabiano Fabiani), Franco Pomponi (Don Gil de Tarragona), Elena Chavdarova-Isa (Giovanna), Svetozar Ranguelov (Gilberto), Ivan Ivanov (Lord Montagu), Biser Georgiev (Lord Clinton), Stoil Georgiev (Um pagem).

Hugo Santos, http://memoriadaopera.blogspot.com/

Nota do Editor: INFORMO QUE UM DOS MAIORES INTÉRPRETES DE CARLOS GOMES É O SOPRANO LEIILA GUIMARÃES , CANTOU LO SCHIAVO NO TMSP EM 1979. CANTOU LO SCHIAVO EM MONTEVIDÉU,CANTOU IL GUARANY NO TMRJ EM 1986 NO SESQICENTENÁRIO DE CG,CANTOU LO SCHIAVO NO PALÁCIO DAS ARTES EM 1996 NO CENTENÁRIO DA MORTE DE CG.CANTOU NA MISSA DE NS DA CONCEIÇÃO NA CATEDRAL DE BELÉM DO PARÁ EM 1996 NO CENTENÁRIO DA MORTE,CANTOU TRECHOS DE CG NA ITÁLIA EM VÁRIOS RECITAIS,CANTOU A ISSA DE NS DA CONCEIÇÃO NA BÉLGICA EM 1998,CANTOU UMA CENA DE MARIA TUDOR NA BÉLGICA NO MESMO ANO,CANTOU ÁRIAS DE CG EM MILÃO.

OS MELHORES E OS PIORES DE 2011 PELO BLOG DE ÓPERA E BALLET: DESTAQUE LÍRICO FEMININO, DENISE DE FREITAS.

2012-02-14T03:03:00.002-08:00

  Denise de Freitas.
    O mezzo-soprano Denise de Freitas faz parte do rol dos grandes cantores brasileiros há anos. Mescla atuações cênicas primorosas com voz de graves escuros e potentes. Em 2011 foi destaque na fantasia lírica L'Enfant et les Sortilèges de Maurice Ravet e na ópera A Valquíria de Richard Wagner.
   Os comentários no Blog de Ópera e Ballet sobre essa grande voz ressaltam as qualidades vocais e teatrais da grande cantora brasileira : " Denise de Freitas fez um Menino mais que peralta, sua voz volumosa e com graves fartos é ideal ao personagem" . " Denise de Freitas arrasou, sua Fricka, tem voz áspera, perfeita para uma mulher chata , que inferniza o marido infiel. Graves potentes e sólidos realçaram sua apresentação."

Denise de Freitas com Luciana Bueno em O Menino e os Sortilégios.

São Paulo Companhia de Dança integra festivais na Europa em fevereiro.

2012-02-14T03:03:00.000-08:00

Companhia apresenta obras de seu repertório no Holland Dance Festival, em Haia, Holanda,

e no Internacionale Tanz Wochen, em Neuss, Alemanha

Criada e mantida há quatro anos pelo Governo do Estado de São Paulo, a São Paulo Companhia de Dança embarca este mês para sua segunda turnê na Europa. Serão quatro apresentações em dois dos maiores festivais de dança do mundo.

Nos dias 23, 24 e 25, às 21h, no Theater aan het Spui, dentro do Holland Dance Festival, em Haia, Holanda, a Companhia apresenta: Os Duplos, Maurício de Oliveira; Inquieto, de Henrique Rodovalho e Gnawa, de Nacho Duato. No dia 28, quando a SPCD sobe ao palco do Staadthalle Neuss, às 20h, na programação do Internacionale Tanz Wochen, em Neuss, o repertório é um pouco diferente. As obras apresentadas serão: Os Duplos, de Maurício de Oliveira, Gnawa, de Nacho Duato e Supernova, de Marco Goecke.

“A participação em festivais internacionais demonstra o alto nível atingido pela SPCD em tão pouco tempo, uma prova de que o Governo de São Paulo investe em cultura de qualidade”, afirma o secretário de Estado da Cultura, Andrea Matarazzo.

Para Iracity Cardoso, diretora da São Paulo Companhia de Dança, a apresentação da SPCD em ambos festivais é uma chance para que mais uma vez em países diversos, o público europeu possa apreciar nossa jovem companhia de dança. “Já estive nestes dois festivais com o Ballet Gulbenkian e agora voltar com uma companhia da minha cidade natal é um grande prazer”, fala. “Durante estas apresentações teremos a chance de trocar com outras importantes companhias do mundo e mostrar a diversidade do nosso repertório”, completa Iracity.

“Preparamos para estes festivais um programa que mostra a versatilidade dos nossos intérpretes e combina obras criadas especialmente para a Companhia por coreógrafos brasileiros com peças do repertório internacional”, fala Inês Bogéa, diretora da São Paulo Companhia de Dança. “É nossa segunda apresentação na Europa. No ano passado (2011) estivemos em Baden-Baden, na Alemanha. Foram três dias de apresentações com a casa lotada. Estes festivais são uma grande oportunidade de trocarmos com outras companhias e, além de podermos sentir a vibração da platéia, podemos ampliar nossas possibilidades artísticas”.

OS MELHORES E OS PIORES DE 2011 PELO BLOG DE ÓPERA E BALLET: MELHOR REGENTE, LIGIA AMADIO.

2012-02-13T02:58:00.000-08:00

Ligia Amadio deu vitalidade à Orquestra Sinfônica da Universidade de São Paulo. Foram duas temporadas completas, com programas que abrangeram um repertório complexo, rico , variado e de uma sonoridade ímpar . Compositores nacionais presentes em todos os concertos e com a Sala São Paulo quase sempre lotada. Após tão brilhante trabalho, a maestrina foi dispensada da OSUSP, em 2012, por motivos inexplicáveis. Ligia Amadio merece o título de melhor regente pelo Blog de Ópera e Ballet.

CARLO COLOMBARA FAZ MASTER CLASS E RECITAL EM CURITIBA.

2012-02-13T02:54:00.002-08:00

Carlo Colombara,considerado atualmente como uma das vozes de referência no registro de baixo, dá um master class de aperfeiçoamento lírico no Brasil.

É considerado atualmente como uma das vozes de referência no registro de baixo. Sua inclusão no bel canto romântico e no âmbito da cultura francesa foi acolhida com um aplauso unânime do público e da crítica e seu estilo verdiano teve grande sucesso graças ao reconhecimento como um dos melhores intérpretes do compositor italiano. O seu timbre de voz potente, amplo, profundo e ágil junto a uma grande capacidade de comunicação e convincente dotes de ator, assegurou-lhe um lugar de honra no mundo operístico contemporâneo.
Nascido em Bologna, começa a apaixonar-se pela música lirica e ópera aos nove anos, depois de assistir a apresentações de Carmem no Teatro Comunale da sua cidade. A sua formação musical se iniciou com o estudo de piano aos 12 anos e aos 15 com o estudo de canto com o professor Paride Venturi.
Em 1986, vence a medalha de ouro como melhor cantor italiano no Concurso «G. B. Viotti» di Vercelli. Debutou na Opera de Roma como Silva da ópera Ernani, de Giuseppe Verdi. Sucessivamente no Teatro Comunale de Bologna o personagem de Seneca em L’incoronazione di Poppea e em Fenice de Veneza, Tiresia de Oedipus rex. Em 1989 canta no Scala de Milão I vespri siciliani com Riccardo Muti, e retorna em 1995 (l’amore dei tre re), 1996 (Nabucco) e 1997 (Macbeth).
Já cantou em muitos teatros prestigiosos do mundo entre eles: Staatsoper de Viena, Metropolitan de Nova York, Teatro Bolsoi de Moscou, Teatro Colón de Buenos Aires, Bastille de Paris, Covent Garden de Londres, Arena de Verona, Maggio Fiorentino de Florença, e salas de concerto como Carnegie Hall de Nova York, Royal Festival Hal de Londres, Konzerthaus de Viena, Concertgebouw de Amsterdam.
Trabalhou com importantes maestros como: Gary Bertini, Riccardo Chailly, Myung-Whum Chung, Colin Davis, gianandrea Gavazzeni, Carlo Maria Giulini, Eliahu Inbal, Lorin Maazel, Zubin Mehta, Riccardo Muti, Daniel Oren, Antonio Pappano, Michel Plasson, Georges Pretre, Wolfang Sawallisch, Giuseppe Sinopoli e Georg Solti.
Em 1997, interpretou Timur em uma espetacular produção de Turandot na cidade de Pequim, sob a direção de Zubin Mehta e direção cênica de Zhang Yimou sendo transmitida em mondovisione.
A temporada 2008/2009 iniciou-se com Macbeth em La Coruña. Colombara cantou I Puritani no Teatro Massimo de Palermo e participou do concerto da Missa de Requiem, de Verdi, organizado em Modena em setembro de 2008 em homenagem a Luciano Pavarotti. Entre outros interpretou Nabucco no Reggio Emilia e Requiem de Verdi em Bruxelas, Stoccarda, San Petersburgo e Marselha, além de Aida em Roma e Nabucco na Suíça. Na temporada de 2009, debutou como Mefistófeles no Festival de Savonlinna e como Escamilo na ópera Carmem de Bizet em Caracalla.
Na temporada 2009/2010, cantou Ernani em Zurich e Requiem de Verdi em uma turné pelo país Basco, La Favorita em Sevilha, Nabucco em Zurich, Lucia di Lammermoor em Catanzaro, La Sonnambula em Las Palmas, Aida em Nova York, Norma no Teatro Real de Madrid, Macbeth em Bruxelas e debutou no personagem Don Pasquale no Festival de Peralada, como baixo bufo.
Na temporada de 2010/2011, cantou Les contes d’Hoffmann alla Aichi Triennale di Nagoya, I Masnadieri, Simon Boccanegra e Anna Bolena all’Opernhaus di Zurich,debutou o personagem protagonista di Don Giovanni (Mozart) nel Teatro del Giglio di Lucca, Anna Bolena no Teatro Liceu di Barcellona, Norma al Teatro Pérez Galdós di Las Palmas , Nabucco alla Monnaie di Bruxelles, Anna Bolena (Donizetti) e La Bohème all’Opernhaus di Zurich.
Em 2011, protagonizou Don Giovanni al Savonlinna Opera Festival , Timur em Turandot no Festival Puccini Torre del Lago, interpretou no espetáculo-concerto 1/1 prima sempre a Torre del Lago e, em setembro, inaugurou l’Umbria Music Fest com um concerto de arias de ópera acompanhado da pianista Natalia Morozova.

O evento tem o apoio da Escola de Música e Belas Artes do Paraná (Embap) e Teatro Guaíra de Curitiba.
O master class terá certificado como extensão universitária para os participantes, assinado por Carlo Colombara e pela Universidade.
Coordenação Geral da Soprano Ana Paula Brunkow com assessoramento de Wagner Ferreira da Silva

SERVIÇO

Auditório da Embap
Rua Francisco Torres 153 – Curitiba – PR
De 21 a 27 de março de 2012
VALOR: R$ 200,00 – alunos efetivos / R$ 70,00 – ouvintes
O master class é aberto a todos os registros de voz e ouvintes
Pianistas acompanhadoras: Clenice Ortigara e Priscila Malanski
Informações e inscrições de 1º a 28 de de fevereiro pelo email: masterclasscolombara@yahoo.com.br

Teatro Guaíra
Praça Santos Andrade, s/no. – Curitiba – PR
Dia 23 de março às 20:30h.
Recital lírico de Carlo Colombara e Ana Paula Brunkow com as pianistas Clenice Ortigara e Priscila Malanski

Fonte: http://www.movimento.com/

OS MELHORES E OS PIORES DE 2011 PELO BLOG DE ÓPERA E BALLET: PIOR ESPETÁCULO DE ÓPERA, RIGOLETTO DO TEATRO MUNICIPAL DE SÃO PAULO.

2012-02-11T04:42:00.000-08:00

   O Rigoletto , de Verdi , do Theatro Municipal de São Paulo,  apresentou solistas internacionais fracos e sem a menor vontade de mostrar serviço.
   Produção estranha , direção sem nexo, desencontro entre solistas e orquestra, a ária La donna è mobile sem aplausos, Rigoletto morando em andaimes, primeiro ato que lembra uma usina nuclear, personagens que deviam estar ocultos aparecem em cena, um espelho d'água que faz um barulho que atrapalha e vai por aí o festival de horrores....
   Depois do desastrado Don Carlo, de Gabriel Vilella, essa é a pior ópera apresentada no Theatro Municipal de São Paulo nos últimos anos.
Prateleira neles, essa merece ser queimada em praça pública.

OS MELHORES E OS PIORES DE 2011 PELO BLOG DE ÓPERA E BALLET: PIORES DVD's BALÉ

2012-02-11T04:41:00.000-08:00

Coreografia abstrata e complexa.

Viagem musical sem nexo.

Trechos de balé não agradam nunca. Gostamos de obras completas.

OS MELHORES E OS PIORES DE 2011 PELO BLOG DE ÓPERA E BALLET: MELHORES DVD's ÓPERA

2012-02-10T02:59:00.000-08:00

Netrebko e Garanca arrebentaram nesse petardo de Donizetti. Uma versão imperdível de Anna Bolena.

Patricia Petibon é a Lulu por excelência. Grande voz e atuação da deusa ruiva.

Jenufa, obra prima de Janácek em grande versão espanhola.

Excelente versão de mais uma grande ópera de Janácek. Espelho d'água presente em toda a ação, espetáculo comovente. Alguém assistiu esse vídeo e copiou o espelho d'água para o Rigoletto do Theatro Municipal de São Paulo.

O melhor box do ano, com espetáculos raros , inéditos e de excelente qualidade. Esse vale a pena.

A PERSONALIDADE DOS COMPOSITORES EM SUA MÚSICA. ARTIGO DE MARCUS GÓES NO BLOG DE ÓPERA EBALLET.

2012-02-10T02:53:00.000-08:00

Muito se fala em reflexos da personalidade e da vida privada dos compositores em suas composições.

É fora de dúvida que tais reflexos sempre ocorrem, já que facilmente se pode verificar que Brahms nunca compôs nada parecido com o que compôs seu contemporâneo Offenbach. O primeiro pretendia a seriedade de um continuador de tradições musicais alemãs, e a seriedade de sua personalidade refletiu-se naquela pretensão e na sua música; o segundo inseriu-se em um mundo de diversão e bufoneria, e sua personalidade burlesca se reflete em tudo que compôs.
O tema entrou mais acaloradamente em polêmicas depois da publicação nos USA do livro CHOPIN IN PARIS: THE LIFE AND TIMES OF THE ROMANTIC COMPOSER (ISBN 0-306-80933-8), de Tad Szulc. Há uma tradução para o português de Betina Von Staa, Editora Record,RJ,1999.
Tal livro afirma, apresentando cartas comprometedoras, a homosexualidade de Chopin, sua irascibilidade, seu convívio difícil com os amigos, seu patriotismo interesseiro, e chega a acusá-lo de “cafajestadas”. Estará tudo isso presente na música de Chopin ?
Certamente suas numerosissimas e refinadíssimas delicadezas pianísticas, seus arroubos derramadamente românticos e seu discurso musical, com seus exagerados ornamentos, são efeminados, o que conduz a um homossexualismo evidente. Não conseguimos, porém, vislumbrar em sua música nenhum traço de um caráter irascível e capaz de “cafajestadas”.
Outro compositor de homossexualidade comprovada foi Tchaicovsky, e em sua música essa homossexualidade aparece na melancolia queixosa das sinfonias, das quais a quinta e a sexta são o ponto extremo, assim como certas passagens hiper românticas (no sentido de “romance) dos concertos e dos balés. Os lamentos de Tatiana e Onegin não fogem à regra de uma melancolia feminina. Comparem com as queixas melancólicas das Leonoras de Verdi, contemporâneas de Tchaicowsky, e com as das mais antigas Leonora de Fidelio e Agathe do Freischütz.
Pensamos que o rei do reflexo de sua personalidade em sua música seja Richard Wagner: megalomaníaco ele, mais que megalomaníaca sua música, desde as insistentes quiálteras do Tannhäuser até as retumbâncias do Anel, as audácias do Tristão e a religiosidade de coreto do Parsifal.
Em Beethoven, o vigor, o peso, a substância de uma personalidade vigorosa, pesada, substancial. Em Mozart, a leveza, a graça, a solenidade e a facécia de uma alma brincalhona, graciosa, solene quando necessário (ouçam Et incarnatus est da Missa em dó menor) .
O tema é polêmico, difícil de encontrar concordâncias e unanimidades. Abordei-o com a máxima cerimônia, a cerimônia daqueles que não se acham os donos da verdade. Agradeço intervenções e censuras.
NIL INULTUM REMANEBIT
MARCUS GÓES-FEV 2012

Fonte: http://www.movimento.com/

OS MELHORES E OS PIORES DE 2011 PELO BLOG DE ÓPERA E BALLET: MELHOR ESPETÁCULO DE DANÇA. KIROV BALLET, O LAGO DOS CISNES.

2012-02-09T03:57:00.000-08:00

   A turnê pelo Brasil do Ballet Kirov foi o que de melhor aconteceu na dança em 2011. Apresentaram um dos principais títulos do repertório do balé mundial, O Lago dos Cisnes, coreografia de Petipa e Ivanov e música de Tchaikovsky.
As principais estrelas da trupe russa estavam de férias ,mas isso não tirou o brilhantismo da produção e da tecnica do balé russo. Alguns papéis secundários foram mornos, mas , em se tratando de solista principal, as jovens arrebentaram. A produção , a luz e tudo mais feito pelo Kirov encanta. Uma raridade por aqui, balé com orquestra .
   O preço salgado dos ingressos assustou muita gente, um absurdo de valores. Mesmo com o segundo escalão de dançarinos, o Kirov consegue se destacar por essas bandas, voltem sempre pessoal !

Ali Hassan Ayache

Secretaria da Cultura confirma Festival de Campos do Jordão com Osesp e direção de Marin Alsop e Celso Antunes.

2012-02-09T03:51:00.000-08:00

A Secretaria de Estado da Cultura de São Paulo confirmou que o Festival de Inverno de Campos do Jordão sai da administração da Santa Marcelina Cultura e passa, já a partir da edição 2012, a ser gerido pela Fundação Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo.

Segundo Ana Flávia Souza Leite, coordenadora da Unidade de Formação Cultural da Secretaria, “esta é uma das medidas do Sistema Paulista de Música, com o intuito de aproximar ainda mais a já consagrada Osesp da formação dos músicos brasileiros”. Neste sentido, Marin Alsop, nova regente titular da Osesp, cuja atuação na educação é mundialmente reconhecida, passa a dividir a direção do Festival com seu assistente na Osesp, o maestro Celso Antunes, fortemente ligado à música vocal.
“Haverá a valorização da música coral e prometemos um diferencial na regência este ano, em um festival que volta a ter quatro semanas de muita atividade artística e principalmente educacional, com importantes parcerias internacionais”, comenta Ana Flávia.
O Festival de Campos do Jordão, criado por Eleazar de Carvalho em 1970, passou por glórias e por muitos altos e baixos até sofrer uma grande transformação positiva a partir de 2004, nos anos sob a direção do maestro Roberto Minczuk, seguindo em 2009 para a gestão da organização social Santa Marcelina Cultura, que administra também a Emesp Tom Jobim.
Fonte: http://www.concerto.com.br/

OS MELHORES E OS PIORES DE 2011 PELO BLOG DE ÓPERA E BALLET: DESTAQUE LÍRICO MASCULINO, MARTIN MUEHLE

2012-02-08T03:10:00.000-08:00

Martin Muehle

Essa foi barbada! Martin Muehle foi o grande tenor do ano passado. Seu Siegmund, personagem da ópera A Valquíria de Richard Wagner, foi único , consistente e marcante. Estudou o personagem e detonou no palco. Assisti a ópera duas vezes , saí do teatro convencido que ninguém superaria Martin Muehle em 2011.
As palavras escritas no Blog de Ópera e Ballet em 18/11/2011 ilustram um pouco da magnitude vocal desse tenor: " Surpreendi-me com o tenor Martin Muehle, voz wagneriana por excelência. Escura e com grande beleza tímbrica, sustenta as notas no limite. Agudos possantes e vivos. Canta e interpreta de forma genial, coloca a alma no canto. Um Siegmund completo."

Martin Muehle

Ali Hassan Ayache

OS MELHORES E OS PIORES DE 2011 PELO BLOG DE ÓPERA E BALLET: PIORES DVD's ÓPERA

2012-02-08T03:08:00.000-08:00

Samson et Dalila em versão moderna, israelenses e palestinos duelam na terra santa atual. Ficou horrível.

June Anderson e Norma são inccompatíveis, prova é essa gravação. A pior atuação desse soprano em vídeo.

Plácido Domingo não tem nada de barítono nesse Simon Boccanegra.

Uma das chatices de Kurt Well.

Produção desastrosa com um bom elenco de cantores. Detonaram a obra de Berlioz.

OS MELHORES E OS PIORES DE 2011 PELO BLOG DE ÓPERA E BALLET: PIOR ESPETÁCULO DE DANÇA, NOTRE DAME DE PARIS

2012-02-07T02:58:00.000-08:00

A coisa foi feia mesmo. O título dizia: "Notre Dame de Paris"; todo animado, assisti ao único vídeo existente da obra. Produção francesa com música de Maurice Jarre e coreografia de Roland Petit. Isabelle Guérin e Nicolas Le Riche como principais bailarinos. Um brinco de apresentação.

Não esperava nada desse nível no palco do São Pedro, imaginava algo simples e razoável. Que decepção! O espetáculo apresentado em Dezembro e produzido pelo Malosá Stúdio de Dança foi um festival de horrores.

Tudo se passa no campo, com três cenários campestres de terceira categoria - de Paris não tinha nada. Música espanhola com trechos da ópera Carmen, entre outras obras, uma salada russa. Solistas fracos, corpo de baile perdido nos movimentos com falta de sincronia, alguns caindo em cena. De vez em quando, do nada aparecia um corcunda, referência à obra original.

Todos os alunos do Stúdio têm que dançar: assim sendo, o diretor ou a diretora do Malosá Stúdio de Dança inventa números para todas as idades. Os pais e mães adoram, aplaudem e choram de emoção. Flores chegam em diversos carros para homenagear a apresentação. Findo o espetáculo, todos saem orgulhosos.

Alguns vão dizer que a montagem foi de uma escola de balé, portanto amadora. Discordo: cobraram vinte reais pelo ingresso, preço que de amador não tem nada - eu comprei o meu e fui enganado. Divulgaram a apresentação através de release nos mais diversos meios de comunicação, inclusive nesse blog. Uma apresentação que não acrescenta nada a ninguém, só aos orgulhosos pais que choraram as pitangas pelos filhos.

Ali Hassan Ayache

Temporada de óperas e balés do Covent Garden será transmitida em cinemas brasileiros.

2012-02-07T02:57:00.000-08:00

Angela Georghiu

A partir do dia 25 de fevereiro a temporada 2012 de óperas e balés do Royal Opera House – Covent Garden, de Londres, será transmitidas em mais de 30 cinemas da rede Cinemark. Serão no total oito títulos, sendo dois ao vivo: o balé Romeu e Julieta e a ópera Rigoletto; e todas as apresentações serão exibidas em alta definição, com áudio 5.1 e legendas em português.

As transmissões acontecem em cinemas de São Paulo, Rio de Janeiro, Niterói, Brasília, Palmas, Natal, Campo Grande, Belo Horizonte, Porto Alegre, Curitiba, Vitória, Florianópolis, Manaus, São José dos Campos, Campinas, Ribeirão Preto, Salvador e Goiânia. Os ingressos dessa temporada podem ser adquiridos no site da Cinemark (www.cinemark.com.br) ou na bilheteria dos cinemas que recebem o evento duas semanas antes de cada espetáculo.
Quem abre a temporada é a ópera Tosca (nos dias 25, 26 e 28 de fevereiro), de Puccini, dirigida por Duncan Macfarland, regida por Antonio Pappano e com os cantores Angela Gheorghiu, Jonas Kaufmann e Bryn Terfel.
Fonte:http://www.concerto.com.br/

ENTREVISTA COM MARLOS NOBRE + FEMUSC NOMEIA MARLOS NOBRE EMBAIXADOR DO FESTIVAL

2012-02-06T02:15:00.000-08:00

Marlos Nobre, um dos maiores compositpores contemporâneos do Brasil, esteve presente ao 7º FEMUSC 2012 (7º Festival de Música de Santa Catarina), realizado na cidade de Jaraguá do Sul.
O Festival aconteceu de 22 de janeiro a 4 de fevereiro, e um dos pontos altos foi a execução da obra Cantoria Concertante, do nosso compositor Marlos Nobre, que foi apresentada no dia 01 de fevereiro pela Orquestra do Festival dirigida pelo maestro Alex Klein.
Foi uma execução primorosa e o Festival é espetacular. O público que lotava a sala aplaudiu de pé durante 10 minutos e e o compositor foi nomeado Embaixador do Festival. Houve depois uma entrevista feita pela assessoria de imprensa do festival, liderada por Sônia Pillon, cujo teor integral transcrevemos abaixo.

Nome completo e idade
72 anos, compositor brasileiro de música de concerto.

É casado, tem filhos, netos? Alguém da família seguiu seus passos?
Sou casado com a grande pianista brasileira Maria Luiza Corker e temos uma única filha Karina, hoje com 18 anos, solteira e universitária.

Onde nasceu e onde vive hoje?
Nasci em Recife e vivo, desde 1962, no Rio de Janeiro.

Desde que idade passou a tocar piano?
Comecei com 4 anos de idade, com minha prima Nysia Nobre, na época a melhor professora de piano de Recife, aluna de Tomás Terán.

Quando começou a se apresentar e onde? Fale brevemente sobre sua carreira a partir de então, nacional e internacional.
Comecei a me apresentar desde cedo, nos recitais dos alunos da Nysia no Teatro de Santa Isabel em Recife. Logo aos 6 anos, eu começa a fazer pequenas composições e era evidente que eu era dotado para a composição. Entrei para o Conservatório Pernambucano de Música aos 10 anos, para completar os estudos de piano e teoria musical. Com 14 anos comecei a estudar com o grande professor Pe. Jaime Diniz que chegara a Recife vindo da Itália, onde ser formara. Aí comecei seriamente os estudos de contraponto e fuga, que me levaram à técnica da composição. Estudei em 1960 com Koellreutter e, em 1961, com Camargo Guarnieri. Depois, ganhei concurso da Rockefeller Foundation em 1962 para estudar com compositores como Ginastera, Messiaen, Dallapiccola, Malipiero e Copland no período 1963/64 no Instituto Di Tella em Buenos Aires.
A partir daí começou minha carreira no exterior, ao apresentar minha obra UKRINMAKRINKRIN em Paris, vencendo a Tribuna de Compositores da UNESCO e sendo apresentada em cerca de 45 países. Daí em diante, minha carreira deslanchou no exterior e no Brasil. Impossivel detalha,r mas resumindo ganhei então 25 primeiros prêmios internacionais e no Brasil, comecei a participar dos Festivais mais importantes de música contemporânea nos Estados Unidos (meu Concerto Breve em 1971 estreado por João Carlos Martins em Washington me valeu consagração crítica no Wshington Post e no New York Times), em Londres (dirigindo a Royal Philharmonic Orchestra no Queen Elizabeth Hall estreando ali meu “Concertante do Imaginário” solista minha mulher, a grande pianista brasileira Maria Luiza Corker, a quem dediquei a peça.
Assinei contratos de edição de minhas obras na Alemanha, França, Itália e comecei a lançar minha obra em CDs, começando com um CD duplo pela Lemán Classics da Suíça, que me valeu críticas consagratórias na Fanfare/USA. No momento. tenho cerca de 37 CDs lançados internacionalmente e minha obra é tocada em todo o mundo. Posso assim dizer que me sinto parcialmente realizado, como compositor, mas ainda não totalmente. Diariamente crio minha obra com o mesmo fervor de 40 anos atrás.
Em 2004 recebi o grande prêmio Tomás Luís da Victoria, concedido na Espanha, com dotação de 60.000 euros, por ser considerado então como o mais importante compositor do Continente Iberoamericano. Um reconhecimento intenarcional que afaga o ego mas não me deslumbra, jamais. Sigo escrevendo e compondo diariamente minha obra e ainda tenho muito a dizer.

Nos anos de 1970, o senhor foi o responsável por um projeto importantíssimo, que visava disseminar a música clássica, o “Concertos para a Juventude”. Fale um pouco sobre isso. Quando começou, quando terminou, qual sua avaliação sobre os resultados…
Eu comecei a dirigir a série Concertos para a Juventude na TV Globo e alí vi a oportunidade de levar a grande música, a música clássica à TV em larga escala. Mas não fiz somente “concertos”. Criei então os Concursos para Jovens Instrumentistas, para Bandas de Música, para Corais Universitários, para Ballet, para Jovens Pianistas, animando assim o meio musical.
Antônio Meneses foi revelado ao vencer o Concurso de Jovens Instrumentistas e ganhou uma bolsa para estudar na Europa. Uma infinidade de jovens ali encontrou o primeiro impulso para suas carreiras. As bandas de música, pouco estimuladas no Brasil, tiveram então a oportunidade de aparecerem no cenário nacional, mostrando a riqueza deste gênero no Brasil. Os Corais supreenderam a todos pela qualidade. Os pianistas, violinistas, violonistas, flautistas, enfim todos os jovens, tiveram o primeiro grande impulso em suas carreiras.
Era então o primeiro grande apoio nacional à juventude musical brasileira. Lançamos discos com os vencedores dos concursos de Corais, de Bandas, e a partir daí criamos circuitos de apresentações de recitais com joven em todo o Brasil a que chamei de Rede Nacional de Música. Tudo isso em 1970, antecipando assim em 40 anos o que hoje está sendo feito, graças a Deus em todo o Brasil e aqui na FEMUSC.
O sucesso era enorme, o patrocínio era do Governo através do MEC e da própria TV Globo. Mas a Globo queria o horário para transmitir as corridas internacionais de carros, que começava então a interessar ao público. Lutei até quanto foi possível, uma resistência que foi de 1970 a 1980, quando finalmente venceram os interesses comerciais e o horário foi definitivamente dado ás corridas de carros e a música perdeu seu horário supremo e único na Televisão comercial brasileira.
O pior é que tudo estava gravado em caixas e caixas de fitas de gravação, enormes, pesadas e caríssimas. O Boni, diretor geral da TV Globo me disse então que a Globo não era cultural e ele daria todas as fitas gravadas em 10 anos com todo aquele imenso acervo, se o governo (MEC) trocasse o acervo por fitas virgens. Era um negócio maravilhoso para o MEC. Tentei convencer as autoridades do governo que aquele acervo não poderia se perder. Tudo inútil. O Boni esperou, esperou e como nada se resolvia ele decidiu pelo pior: apagou tudo e reutilizou as fitas em programas do Chacrinha e similares.
Essa a verdadeira história do que considero um erro fundamental da nossa gestão governamental naqueles anos. Uma perda absurda, uma história que se perdeu para sempre.

O senhor é apontado como o melhor compositor de música erudita no Brasil, depois de Villa Lobos. Fale sobre isso.
Sinceramente eu não gosto desta história de ser o melhor, o maior, coisas assim pelo estilo. Nunca trabalhei visando ser “o melhor”, isso não existe. Ao ganhar o prêmio Tomás Luis da Victoria, consideraram-me o “melhor e mais importante do Continente Iberoamericano”, isto está registrado em ata. Mas tudo isso afaga meu ego, é uma recompensa indubitável ao meu trabalho incessante e extenuante de mais de 51 anos de exaustiva criação de obras (meu catálogo atual tem 260 obras compostas). Isso é maravilhoso naturalmente, mas quero usar isso para incentivas a juventude musical do Brasil, sobretudo os jovens compositores.
Quero que de alguma maneira o exemplo do meu trabalho sirva para que sintam que é possível, sim, adquirir um lugar de relevo na cultural do Brasil, sendo um compositor. Mas para isso batalhei muito. Outra grande lição é que sem um esforça incessante, contínuo, brutal, ninguém chega lá. São horas, dias, noites, anos, nos quais me subtraí as distrações comuns dos mortais, em prejuízo às vezes do convívio com amigos ou com minha própria família, para me isola e compor.
Porque a profissão do compositor é de total isolamento: você está ali, sentado, diariamente, só, irremediavelmente só, diante da partitura branca, com seus lápis e não tem outra coisa a fazer senão escrever, escrever e escrever. Eu o faço 8 e às vez 10 horas diariamente, quando tenho de compor novas obras o que significa: sempre. E isso não me deixa opções de muito lazer. O sacrifício é pela criação de minha obra, e essa é minha alegria e minha escravidão.

Quantas e quais obras o senhor produziu?
Já disse antes, até aqui são 260 obras. Em todos os gêneros, pois não quero aqui dar todos os títulos. Para orquestra sinfônica, cordas, solistas, câmera, corais, música para violão, para todos os instrumentos solistas desde a flauta até a tuba, desde o violino até o contrabaixo, para todos instrumentos de percussão, para harpas, cantatas, oratórios, concertos, divertimentos, sonatas, sonatinas, enfim os mais diversos ou seja, TODOS os gêneros da música, excetuando até aqui somente a ópera, mas isso já está sendo providenciado: estou no momento terminando minha primeira ópera sobre o tema LAMPIÃO, uma grande ópera em 3 Atos.

Quais projetos da sua brilhante carreira o senhor destacaria?
Acho que projetos como a composição de minha obra integral. Eu diria que o que almejo é a minha obra em sua integralidade e cada peça, desde a menor até a mais estendida, é parte de um todo. Assim eu vejo minha criação. Desde as obras para flauta e violoncelo solos, até às grande cantatas, aos grandes concertos. Naturalmente o que mais me interessa no momento são as obras mais recentes, pois nelas eu estou atingindo aquilo que sempre busquei, ou seja, a perfeição máxima de que sou capaz e que ainda persigo, dia a dia.
As minhas obras mais recentes, como por exemplo o Concerto nº 2 para percussão e Orquestra (encomendado e estreado pela OSESP em 2009) e os MOVIMENTOS SINFÔNICOS para grande orquestra (encomendados e estreados pela Orquestra Petrobrás dirigido pelo meu querido amigo e grande maestro Isaac Karabtchevsky em 2011), estas obras representam o meu pensamento atual e nelas eu cheguei a um grau de perfeição de escritura sinfônica que me agrada pessoalmente.

Quais os projetos que o movem hoje?
Os grandes projetos: acabo de terminar uma nova obra encomendada pela Venezuela, pelo meu grande e querido amigo o maestro José Antonio Abreu criador do “El Sistema”. É um novo Concerto para Orquestra que deve ser estreado pela Orquestra Simón Bolivar dirigido por Gustavo Dudamel brevemente. E a nova obra encomendada pela OSESP, uma obra que tem o título provisório de “Sagração da Sagração” para estrear em 2013, ano do centenário da criação da Sagração da Primavera de Stravinsky obra que mexeu comigo em minha juventude, de maneira fundamental. E a Ópera Lampião sobretudo e mais projetos de ópera, pelo menos mais duas novas óperas em caminho nos próximos anos, se Deus quiser. A Ópera agora é meu interesse maior e mais urgente: é o quero fazer e ao que quero me dedicar nos próximos anos.

Tente falar sobre a emoção que sentiu ao ser aplaudido de pé no Femusc 2012, depois de ter sua composição tocada no palco? Foi a segunda apresentação mundial dessa obra? Fale dessa obra e quando ela surgiu.
A apresentação de minha CANTORIA CONCERTANTE pela orquestra de jovens do FEMURJ, a Orquestra de Música Contemporânea dirigida pelo excepcional músico e regente Alex Klein, foi para mim uma imensa alegria. E, ao ver aquele público enorme do SCAR de pé, aplaudindo a obra depois do acorde final, foi uma das grande emoções de minha vida de compositor. Eu já tinha dito ao Alex e à orquestra que aquela execução já era mais de acordo com minha obra, meu estilo e minha visão do que a estreia anterior na Espanha. E olhe que em Madrid a obra foi estreada mundialmente pela Orquestra Sony da Escuela Superior de Música Reina Sofia. Escrevi esta obra por encomenda de Paloma O´Shea, Presidente da Escuela, e nela coloquei solos importantes para todos os primeiros músicos dos naipes de cordas, madeiras, metais, e percussão.
A execução no Festival FEMUSC foi portanto esplendorosa, absolutamente perfeita, cada detalhe da partitura mereceu o cuidado especial do Maestro Alex Klein e os jovens corresponderam à altura. Uma grande performance.

O senhor passa a ser o Embaixador do Femusc a partir de agora. Como é isso para o senhor?
É uma honra indescritível ser o Embaixador do FEMUSC. Uma honra e uma responsabilidade, pois representa um reconhecimento do meu país à minha criação e ao que posso fazer para ajudar, no que for possível para tudo que for necessário. Eu fiquei absolutamente maravilhado, encantado com tudo que vi e ouvi no FEMUSC. Desde as criancinhas, tocando de maneira comovedora, séria e surpreendente, até os quartetos de cordas, os conjuntos de percussão, de sopros, metais, percussão, enfim uma verdadeira FESTA DA MÚSICA BRASILEIRA.
O Alex Klein, com a experiência vivida na Chicago Symphony, tem na veia e no espírito o verdadeiro sentido da elevada carga emocional da música, mas sobretudo a responsabilidade de fazer o melhor que seja possível. O nível de exigência dos ensaios de Alex Klein, que presenciei na preparação de minha obra, são de uma minuciosidade incrível, jamais satisfeito com uma solução boa, querendo sempre a solução melhor ou seja do mais alto nível. Não existe a palavra cansaço, nem existem meios termos. O ideal perseguido por Klein é a perfeição, porque é esta perfeição que ele tem em seu DNA musical e em seu espírito de grande músico. E isso ele milagrosamente transmite e consegue de seus músicos jovens.
Uma pena que não pude ficar para o concerto final dele regendo a querida Sagração, com seu jovens músicos. Certamente será a mesma perfeição, que já comprovei ao assistir a um ensaio da obra ontem no FEMUSC.
Estou orgulhoso e profundamente agradecido de ter sido escolhido como Embaixador deste festival e pretendo levar da maneira mais séria possível tal honra.

E finalmente, quais a suas impressões sobre o Femusc, que está na 7a edição?
Acho que já andei dizendo algo antes: a impressão é de uma verdadeira USINA de música. É como se ali, aqueles jovens, estivessem sendo burilados para um futuro maior, que nosso Brasil merece. Deus queira que nossas autoridades governamentais, a própria presidente DILMA ROUSSEFF que admiro profundamente, se deixe tocar por todo este movimento maravilhoso, pois a prática da música pelos jovens brasileiros não é somente uma atividade profissional ou profissionalizante: é um movimento de integração, crescimento cultural e sobrevivência humana em nosso país.

Fonte: http://www.movimento.com/

OS MELHORES E OS PIORES DE 2011 PELO BLOG DE ÓPERA E BALLET: REVELAÇÃO LÍRICA, LINA MENDES.

2012-02-04T09:58:00.000-08:00

Há males que vem para o bem. A única coisa interessante da ópera Rigoletto produzida pelo Theatro Municipal de São Paulo em 2011 foi o soprano Lina Mendes. A moça simplesmente arrebentou como Gilda, foi muito, mas muito superior a gringa escalada para o primeiro elenco. Já tinha se destacado como Eurídice no Theatro São Pedro/SP em 2010 e como Gilda mostou que é a grande revelação lírica de 2011. Faturou também a escolha pela Academia de Canto Lírico do Teatro Scala di Milano para o curso de aperfeiçoamento do biênio 2011/2013.
Quem puder assistir suas apresentações no Brasil aproveite, depois só na Europa ou nos Estados Unidos. Parabéns à professora Leila Guimarães por ter lapidado tão brilhante voz.
Recado aos diretores do Teatro, se forem reapresentar esse título em 2012 chamem Lina Mendes e Caroline de Come para interpretarem Gilda. Suas belas vozes vão nos fazer esquecer as bobagens cometidas pela direção , produção e escalação.

OS MELHORES E OS PIORES DE 2011 PELO BLOG DE ÓPERA E BALLET: PIOR DIREÇÃO DE CENA , FELIPE HIRSCH

2012-02-03T03:14:00.000-08:00

Cena do Rigoletto, Teatro Municipal de São Paulo
   A primeira ópera produzida pelo Theatro Municipal de São Paulo após uma longa reforma decepcionou em muitos aspectos, a direção foi um deles.
O Rigoletto apresentado em Setembro de 2011 teve uma direção estranha e confusa de Felipe Hirsch. O espelho d'água que parecia ser uma ideia revolucionária, já existe em pelo menos duas produções disponíveis em vídeo, lembrei da Katia Kabanova de Leos Janácek, produção do Teatro Real de Madri. Gilda morrendo de pé não convenceu ninguém. Mostrar o palco aberto com todos os equipamentos e coxias à vista não tem nada de novidade, muitos já fizeram antes. O comentário apresentado no Blog de Ópera e Ballet explica tudo:"  A direção de Felipe Hirsch faz uma leitura fria do Rigoletto, aperta o coro em um círculo, movimenta pouco os cantores e deixa de lado toda a dramaticidade da peça. Enfoca no visual em detrimento do emocional. Seu Rigoletto é estático , tudo é simbólico e muitas vezes confuso."
  O pior de tudo é que essa produção pode voltar ao palco do Theatro Municipal de São Paulo em 2012. Recado a direção do mais afamado teatro paulistano: Prateleira nela, essa produção merece ser queimada em praça pública.

    Cena do Rigoletto, Theatro Municipal de São Paulo.

OS MELHORES E OS PIORES DE 2011 PELO BLOG DE ÓPERA E BALLET: MELHOR DIREÇÃO DE CENA , LÍVIA SABAG

2012-02-02T03:47:00.000-08:00

Lívia Sabag
O mundo da muitas voltas, critiquei duramente a direção de Lívia Sabag no Rigoletto de Verdi ,apresentado em 2010 no Theatro São Pedro/SP .
A surpresa veio em 2011, A fantasia lírica de Maurice Ravel, L' Enfant et les Sortilèges (O Menino e os Sortilégios) teve uma direção primorosa . Publiquei no Blog de Ópera e Ballet no dia 14/10/2011 o seguinte comentário: "Lívia Sabag entendeu o contexto, movimentou de maneira inteligente e perspicaz todos os cantores, deu uniformidade e transformou a obra em um belo conto de fadas."
O título de melhor direção de cena em 2011 é mais que merecido para diretora, é possível que em 2012 a produção retorne ao palco Theatro Municipal de São Paulo. Se isso acontecer ganha o público com uma excelente versão de L'Enfant et les Sortilèges.
Cena de L'Enfant et les Sortilèges.

A ÓPERA NA LITERATURA: UMA INÚTIL PRECAUÇÃO.

2012-02-01T03:08:00.001-08:00

Série de encontros reunirá expoentes de literatura, música e teatro em torno da contribuição da literatura à opera.

A ópera está – definitivamente – na moda e não há quem possa negar tal evidência. O sucesso estrondoso das exibições, em cinemas de todo mundo, das produções do Metropolitan Opera House, de Nova York, com vozes extraordinárias, produções requintadas e encenações nem sempre comportadas, é a prova maior de que este espetáculo adentrou o século XXI igualmente atraente, provocador e, antes de tudo, capaz de formar novas plateias tão visceralmente entregues a seus encantos como foram as do passado.
E é inegável a contribuição do pensamento literário à ópera. A série A ÓPERA NA LITERATURA: UMA INÚTIL PRECAUÇÃO!, com curadoria de Cirlei de Hollanda e consultoria e textos de Vivian Wyler, que estreia em 31 de janeiro no Auditório do 4º andar do Centro Cultural do Banco do Brasil, pretende abordar justamente a relação compositor & libretista frente à obra inspiradora, discutindo os atalhos percorridos quando da transposição do texto literário para o teatro na ópera.
São seis encontros ao todo, que se estenderão até o mês de maio, cada um trazendo ao público uma obra diferente, a ser debatida por um grande elenco de profissionais estreitamente ligados ao tema. A primeira palestra apresenta O Barbeiro de Sevilha, de Rossini e Beaumarchais e reúne em torno da obra a crítica de teatro Bárbara Heliodora, o maestro Silvio Viegas, e a diretora Carla Camurati.
Para debater a tradução da literatura em ópera e sua conversão à dramaturgia lírica, a mesa de cada palestra será composta por três participantes: um especialista na obra literária, um músico e um diretor teatral. O palestrante com formação em literatura iniciará cada sessão falando sobre o romance em questão; em seguida, o músico convidado discorrerá sobre a ópera e a dinâmica que se estabelece, em diferentes momentos, entre música e cena; finalmente, caberá ao diretor discutir, segundo sua ótica, o que se ganhou ou perdeu na transposição do romance para o palco, expondo as dificuldades e o fascínio de dirigir esta que é considerada a mais complexa das obras de arte.
Cada palestra será enriquecida com exemplos de pequenas cenas significativas à obra em questão, pesquisadas, editadas e produzidas em DVD especialmente para o projeto. Um formato prático e atraente, que ajuda o público a (re)conhecer passagens importantes e memoráveis de cada título abordado.
O ciclo ainda reserva:
- Elektra, de Richard Strauss /Hofmannstahl, com os palestrantes Ivo Barbieri, Luís Gustavo Petri, André Paes Leme (13 de março);
- Lucia di Lammerrmoor, de Donizetti /Walter Scott, com os debatedores Vivian Wyler, Luiz Paulo Sampaio, Alberto Renault (27 de março);
- Otello, de Verdi e Shakespeare com a participação de Marta de Senna, Aylton Escobar e Pedro de Senna (10 de abril);
- Il Guarany, de Carlos Gomes/José de Alencar com Gustavo Bernardo Krause, Abel Rocha, Iacov Hillel (24 de abril);
- Eugene Onegin, de Tchaikovsky/Pushkin, com Paulo Bezerra, Ruth Staerke e Moacir Chaves.

A ÓPERA E A LITERATURA
A contribuição do pensamento literário à ópera vem de longa data. Em 1786, estreia As Bodas de Fígaro, primeira parceria de Mozart com seu famoso libretista, Lorenzo da Ponte, que toma como base a peça de Beaumarchais, “Le Mariage de Figaro”. Trinta anos depois, igualmente destinada à posteridade, sobe aos palcos O Barbeiro de Sevilha, de Rossini, que tem também nas estripulias do barbeiro Fígaro, de Beaumarchais, seu ponto de partida. No século XIX, Donizetti se apropria do romance de Walter Scott para escrever sua obra-prima, Lucia de Lammermoor. Verdi alia-se a Shakespeare e compõe Macbeth, Otello e Falstaff. Dostoievsky, por sua vez, inspirou dois grandes compositores do século XX – Janácek, autor de Da Casa dos Mortos, e Prokofiev, que compôs O Jogador a partir de seu romance Igrok, o Jogador. Prokofiev trabalhou ainda o texto de Tolstoi e transformou seu Guerra e Paz em versão operística. O inglês Britten elege grandes nomes da literatura para suas obras: Peter Grimes, a mais encenada, é escrita com base no poema de George Crabbe; Albert Herring é uma adaptação de um conto de Guy de Maupassant, Shakespeare resulta em Sonhos de uma Noite de Verão, enquanto Thomas Mann dá o argumento de sua última ópera, Morte em Veneza. Richard Strauss, em 1909, apresenta Elektra, a primeira de sua fecunda parceira com Hofmannsthal.
O compositor, ao buscar na literatura textos que se revistam de significados originais e de propostas estimulantes, está revelando a sua convicção de que, através dessas obras, a possibilidade de caminhos novos, não convencionais, lhe seja apontada, revigorando a dimensão de seu projeto musical. E aí vive o cerne da questão, pois que o problema está justamente na transposição que se faz da obra literária até o palco lírico. As especificidades da linguagem operística acabam por determinar, quase sempre, uma nova reorganização do texto, por mais cuidados que compositor e libretista tenham em relação à fidelidade ao texto original.
Brincando com o subtítulo da famosa ópera O Barbeiro de Sevilha, pode-se afirmar que todo esse empenho resultará sempre em “Uma Inútil Precaução”, pois a música e a carpintaria teatral de uma ópera acabam levando o texto literário para lugares outros, às vezes bem distantes da concepção original do autor do texto. E intervir em obra de autor consagrado, convenhamos, é tarefa bastante delicada. Sair do livro, chegar ao libreto e se transmutar em espetáculo teatral é um caminho muitas vezes demorado, penoso e que exige excepcional habilidade dramática e um profundo conhecimento musical

A ÓPERA NA LITERATURA: UMA INÚTIL PRECAUÇÃO!

1 – Dia 31 de janeiro – ROSSINI & BEAUMARCHAIS – O Barbeiro de Sevilha
Palestrantes
Bárbara Heliodora
Professora Emérita da UNI-RIO. B.A. Connecticut College. Doutorado da USP. Crítica de Teatro, tem participado de todos os principais júris de premiação de teatro. Dirigiu vários espetáculos, inclusive A Comédia dos Erros de Shakespeare. Publicou quatro livros sobre Shakespeare, Martins Pena, Uma Introdução e O Teatro Explicado aos meus Filhos.
Silvio Viegas
Professor da Escola de Música da UFMG e Diretor Artístico do Theatro Municipal do Rio de Janeiro e Maestro Titular da OSTM. Regeu óperas como Tosca, Il Trovatore, Romeu e Julieta e O Barbeiro de Sevilha, entre outras. Foi Diretor Artístico da Fundação Clóvis Salgado – Palácio das Artes. Mestre em Regência pela UFMG com especialização pela Arts Academy di Roma – Itália.
Carla Camurati
Atual Presidente da Fundação Theatro Municipal do Rio de Janeiro. Cineasta, em 1996 dirige sua primeira ópera, La Serva Padrona de Pergolesi, que adapta para o cinema, realizando o primeiro filme-ópera do Brasil. Sua trajetória como diretora de ópera já soma títulos importantes, entre eles, Carmen, Madama Butterfly, Romeu e Julieta, O Barbeiro de Sevilha, Tosca e O Caso Makropulos de Janácek (1ª. audição brasileira). Agraciada com a comenda “Ordem do Ipiranga” do Governo do Estado de São Paulo.

2 – Dia 13 de março – RICHARD STRAUSS & HOFMANNSTHAL – Elektra
Palestrantes
Ivo Barbieri
Professor Titular de Literatura Brasileira da UERJ, onde foi Vice-Reitor e Reitor (1988-1991). Escreve sobre Literatura Brasileira. Autor dos livros Oficina da Palavra, sobre a poesia de Mário Faustino, e Geometria da composição, sobre João Cabral de Mello Neto. Crítico literário, publicou estudos e ensaios sobre Machado de Assis, Carlos Drummond de Andrade e Guimarães Rosa.
Osvaldo Ferreira
Regente titular e Diretor Musical da Orquestra Sinfônica do Paraná e da fase erudita da Oficina de Música de Curitiba. Programador musical do evento Algarve, em Portugal. Fez Mestrado em Direção de Orquestra em Chicago e Pós-Graduação no Conservatório de São Petersburgo. Várias vezes premiado, foi assistente de Claudio Abbado em Salzburgo.
André Paes Leme
Formado em Direção Teatral da UNIRIO, Mestre em Teatro pela Universidade de Lisboa e doutorando na UNIRIO. Realizou mais de 50 espetáculos, entre peças teatrais, concertos musicais e óperas, entre as quais a estreia de A Carta, do cantor e violeiro Elomar Figueira Mello. Prêmio APTR 2010 de Melhor Diretor pela encenação de Hamelin, de Juan Mayorga.

3 – Dia 27 de março – DONIZETTI & WALTER SCOTT – Lucia di Lammerrmoor
Palestrantes
Vivian Wyler
Mestra em Comunicação pela ECO/UFRJ, foi editora-assistente do Caderno Ideias/ Jornal do Brasil. Gerente editorial da Editora Rocco, é sócia-diretora da produtora Plumagenz, especializada em arte e literatura, e consultora de branding de Estamparia Literária.
Luiz Paulo Sampaio
Doutor em Musicologia, Professor Titular (aposentado) do Instituto Villa-Lobos – UNIRIO, ex-Presidente e Diretor Artístico da Fundação Theatro Municipal do Rio de Janeiro, Assessor Técnico do Museu Villa-Lobos/IBRAM.
Alberto Renault
Diretor teatral e cenógrafo, assinou várias óperas e cenários na Itália e no Rio de Janeiro, como A Voz Humana, com Renata Scotto. Em 2011 dirigiu Lucia di Lammermoor e uma versão concerto de O Amor das Três Laranjas. Assistente do diretor Bruno Bayen, em Paris, colaborou em montagens na Comédie Française e nos teatros National de L’Ódeon e La Bastille.

4 – Dia 10 de abril – VERDI & SHAKESPEARE – Otello
Palestrantes
Marta de Senna
Pesquisadora da Casa de Rui Barbosa, no Rio de Janeiro. Ex-professora de Literatura Comparada da UFRJ, seus principais interesses são a obra de Machado de Assis, sobre a qual escreveu dois livros, o teatro de Shakespeare e a poesia de Camões. É responsável pelo portal http://www.machadodeassis.net/
Aylton Escobar
Regente e compositor premiado, com obras editadas na Europa e Américas. Dirigiu a Universidade Livre de Música e os Festivais de Inverno de Campos do Jordão. Membro da Academia Brasileira de Música, Comendador (Ordem do Mérito Cultural Carlos Gomes), Doutor pela USP. Em 2011 a crítica musical destacou sua atuação como maestro em O Castelo do Barba-Azul, Bartók, no Theatro Municipal do RJ.
Pedro de Senna
Ator, dramaturgo e diretor de teatro. Pela autoria de A tragédia de Ismene, princesa de Tebas, foi o vencedor do primeiro “Seleção Brasil em Cena”, realizado no CCBB Rio. Especialista em tradução e adaptação, coordena o curso de Artes Cênicas da Buckinghamshire New University, no Reino Unido, onde mora há dez anos.

5 – Dia 24 de abril - CARLOS GOMES & J. ALENCAR – Il Guarany
Palestrantes
Gustavo Bernardo Krause
Professor associado de Teoria da Literatura na UERJ, é autor de vários ensaios, como O livro da metaficção (Tinta Negra) e O problema do realismo de Machado de Assis (Rocco), e de vários romances, como Lúcia (Relume Dumará) e A filha do escritor (Agir).
Abel Rocha
É o atual Diretor Artístico do Theatro Municipal de São Paulo, e regente titular da OSM. Doutor em Música pela Unicamp, com mestrado em Regência de Ópera realizado em Dusseldorf, Alemanha. Dirigiu óperas e concertos sinfônicos frente às principais orquestras do país. Foi diretor artístico da Banda Sinfônica de SP e do coral Collegium Musicum de S. Paulo. Professor de regência e ópera da Unesp.
Iacov Hillel
Diretor teatral, é Master of Arts pela São Francisco State University. Dirigiu inúmeras óperas, entre elas Il Guarany, também apresentada no Teatro Nacional de São Carlos – Lisboa, Portugal. Recebeu os prêmios Molière, Mambembe, APETESP, APCA e Governador do Estado. Professor de interpretação e diretor de montagens junto à Escola de Arte Dramática da USP.

6 – Dia 8 de maio – TCHAIKOVSKY & PUSHKIN – Eugene Onegin
Palestrantes
Paulo Bezerra
Estudou língua e literatura russa na Universidade Lomonóssov, em Moscou. Foi professor de teoria literária na UERJ e de língua e literatura russa na USP. Leciona atualmente na UFF. Verteu diretamente do russo mais de 40 obras, destacando-se suas premiadas traduções de Crime e castigo, O idiota, Os demônios e Os irmãos Karamázov, de Dostoiévski.
Ruth Staerke
Soprano premiada nacional e internacionalmente, destacou-se em óperas como Carmen, La Traviata, La Bohème e Eugene Onegin. Foi dirigida por Franco Zefirelli, Adolpho Celi, Gianni Ratto, Carlo Maestrini, Pedro Paulo Rangel e Sérgio Britto, entre outros. Participou das estreias mundiais de O Sargento de Milícias de Mignone, a cantata Verbogenheit de Cláudio Santoro e Yerma de Villa-Lobos.
Moacir Chaves
Diretor de Teatro e professor de Direção Teatral na Escola de Teatro da Uni-Rio. Encenou desde clássicos da dramaturgia – como Shakespeare, Molière e Tchekov – a adaptações de obras literárias de Tomas Morus, padre Antonio Vieira e Machado de Assis, entre outros, além de utilizar com frequência textos não dramáticos para construção de espetáculos.

SERVIÇO

ROSSINI & BEAUMARCHAIS – O Barbeiro de Sevilha
Centro Cultural Banco do Brasil – Auditório do 4o. andar
Rua Primeiro de Março, 66- Centro – RJ
Tel: (21) 3808-2020
Dia 31 de janeiro, terça , às 18h30
Entrada franca – Senhas retiradas na bilheteria do CCBB 1h antes do evento
www.bb.com.br/cultura
twitter.com/ccbb_rj

Fonte: http://www.movimento.com/

Theatro Municipal terá grande programação para a comemoração dos 90 anos da Semana de Arte Moderna.

2012-02-01T03:08:00.000-08:00

Terá óperas, concerto, música de câmara e dança a importante programação que o Theatro Municipal de São Paulo promoverá para a comemoração dos 90 anos da Semana de Arte Moderna. Os festejos acontecerão entre os dias 15 e 26 de fevereiro (a Semana de Arte Moderna de 1922 ocorreu entre os dias 13 e 26 de fevereiro no próprio Theatro Municipal).

Serão duas óperas: Magdalena de Villa-Lobos (uma encenação do Theatre du Chatelet de Paris de 2010 com direção musical e regência de Luís Gustavo Petri, dias 15, 17, 19, 23 e 25 de fevereiro) e Pedro Malazarte de Camargo Guarnieri (direção musical e regência de Carlos Moreno e direção cênica e cenografia de Cleber Papa, dias 16, 18, 24 e 26 de fevereiro). Antes de Pedro Malazarte, que é uma ópera curta em um ato, o Balé da Cidade de São Paulo apresentará a coreografia de Lara Pinheiro para a Suíte Vila Rica, também de Guarnieri, acompanhado pela Sinfônica Municipal.
A comemoração seguirá no dia 25 com a apresentação do pianista Caio Pagano em um repertório que terá obras mostradas durante a Semana de Arte Moderna. Na segunda parte do programa, Pagano junta-se ao Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo para interpretar o Quinteto op. 44 de Schumann.
A Orquestra Experimental de Repertório também participa da comemoração, no dia 26, em um concerto que terá regência de Jamil Maluf e solos do pianista Pablo Rossi. No programa, a fantasia para piano e orquestra Momoprecoce de Villa-Lobos, além do Batuque de Lorenzo Fernandez e da Sinfonia popular nº 1 de Radamés Ganttali.
Ingressos estarão à venda a partir do dia 1º de fevereiro.
Leia abaixo mais informações fornecidas pela assessoria de imprensa:
Programação Comemorativa aos 90 anos da Semana de Arte Moderna
Theatro Municipal Ingressos à venda a partir do dia 1º de fevereiro
15, 17, 23 e 25/02 às 20h; 19/02 às 18h Magdalena – ópera em 2 atos de Heitor Villa-Lobos
Produção original do Theatre du Chatelet - Paris - 2010
Orquestra Sinfônica Municipal, Coral Lírico e Coral Infantil Heliópolis (Instituto Baccarelli)
Luís Gustavo Petri – direção musical e regência
Mário Zaccaro – regente do coro
Kate Whoriskey – direção cênica
Derek McLane – cenografia
Paul Tazewell – figurinos
Alexander Koppelman – desenho de luz
Warren Adams – coreografia
Elenco: Rosana Lamosa (Maria); Luciana Bueno (Teresa); Rubens Medina (Pedro); Sávio Sperandio (General Carabaña); Saulo Javan (Padre José); Miguel Geraldi (O Velho Homem); Paulo Queiroz (Zoggie); Pedro Ometto (Major Blanco)
Duração: (1º. ato: 55’ - intervalo de 20’- 2º. ato: 40’- total: 1h55’)
Ingressos: R$ 100,00; R$ 60,00 e R$ 40,00
A ópera “Magdalena”, de Heitor Villa-Lobos, com libreto dos americanos Robert Wright e George Forrest, fez sua estreia na Broadway em 1948 e teve sua première brasileira apenas em 2002, no Festival Amazonas de Ópera, em Manaus, com versão em português de Cláudio Botelho. Em agosto de 2010, foi apresentada em forma de concerto no Teatro Municipal do Rio de Janeiro.
Essa produção foi realizada em 2010 pelo Theatre du Chatelet, de Paris. Magdalena nunca foi encenada em São Paulo.
A partitura foi encomendada a Heitor Villa-Lobos pelos letristas norteamericanos Robert Wright e George Forrest – dupla posteriormente responsável pela bem sucedida montagem de “Kismet”, musical adaptado sobre a obra de Borodin – que queriam um espetáculo que tivesse como cenário a América do Sul. Misto de musical e opereta cômica, a peça estreou em 1948 e passou, ao longo de três meses, por Los Angeles, São Francisco e Nova Iorque. Com toques tragicômicos, o musical fala de conflitos religiosos, da luta dos povos ameríndios contra a opressão, da exuberância dos trópicos e suas riquezas naturais.
O maestro Luis Gustavo Petri exalta a importância da obra: “Villa-Lobos rotulava ‘Magdalena’ de uma ‘aventura musical´. Sua estreia tardia no Brasil talvez se deva a um certo preconceito por ter sido pensada para o teatro musical americano da Broadway e pelo fato de que alguns temas utilizados por Villa terem sido retirados de outras obras anteriores que compôs. Villa captou muito bem a atmosfera do musical americano que ficou enormemente enriquecida com a brasilidade dos temas utilizados”.

16, 18 e 24/02 às 20h e 26/02 às 18h1ª Parte – dança – Balé da Cidade de São Paulo e Orquestra Sinfônica MunicipalCamargo Guarnieri: “Suíte Vila Rica”
Carlos Moreno – regência
Lara Pinheiro – coreografia
Fábio Namatame – figurinos
Joyce Drumond – dezenho de luz
2ª Parte - ópera – Pedro Malazarte
Ópera em 1 ato de Camargo Guarnieri com libreto de Mário de Andrade
Orquestra Sinfônica Municipal e Coral Lírico
Carlos Moreno – regente
Mário Zaccaro – regente do coro
Cleber Papa – cenografia e direção cênica
Fábio Namatame – figurinos
Joyce Drumond – desenho de luz
Elenco: Sebastião Teixeira (Pedro Malazarte); Ednéia Oliveira (Baiana); Eric Herrero (Alemão)
Ingressos: R$ 100,00; R$ 60,00 e R$ 40,00
25/02, sábado, às 16hRecital de piano – Caio Pagano
Participação especial do Quarteto de Cordas da Cidade de São Paulo
Obras para piano solo executadas na “Semana de 22”
C. Debussy – 2 Prelúdios – “Ondine” e “La terrasse des audiences du clair de lune” e “Clair de Lune”
Villa-Lobos – “Carnaval das Crianças Brasileiras”, “Guia Prático” 1º volume
Robert Schumann – Quinteto op.44
Ingressos: R$ 30,00; R$ 20,00 e R$ 10,00
26/02, domingo, às 11hOrquestra Experimental de Repertório
Jamil Maluf, regente
Pablo Rossi , piano
Oscar Lorenzo Fernandez – Batuque
Heitor Villa-Lobos – Momoprecoce, fantasia para piano e orquestra.
Radamés Gnattali – Sinfonia popular nº 1
Ingressos R$ 40,00; R$ 20,00 e R$ 10,00
Serviço
Local: Theatro Municipal
Praça Ramos de Azevedo, s/n° - Bilheteria: 11.3397-0327
Lotação: 1530 lugares
Ingressos à venda para o público a partir do dia 1º de fevereiroFuncionamento da Bilheteria: 2ª a 6ª, das 10h às 19h, ou até o início do espetáculo. Sábados, domingos e feriados, das 10h às 17h, ou até o início do espetáculo.
Vendas pela Internet: www.ingressorapido.com.br/prefeitura e 11.4003 2050
Classificação etária: livre, recomenda-se a partir dos sete anos
Fonte: http://www.concerto.com.br/

Lambança campineira: Prefeitura de Campinas demite diretora da Sinfônica Municipal pelo Diário Oficial .

2012-01-31T03:06:00.000-08:00

Adriana Canguçu

Há apenas quatro meses no cargo, a diretora administrativa da Sinfônica Municipal de Campinas, Adriana Canguçu, foi exonerada do cargo nesta segunda-feira, dia 30 de janeiro. Segundo a imprensa campineira, a executiva soube da demissão pela recepcionista da orquestra, que a alertou sobre sua exoneração publicada no Diário Oficial.

De acordo com o Secretário de Cultura de Campinas, Flávio Sanna, a deliberação da exoneração da diretora está intimamente ligada ao gabinete do prefeito em exercício, Serafim Jr. "Estava ciente do que aconteceu, participei da conversa, mas foi uma determinação direta do prefeito", comentou o secretário em depoimento ao EP Campinas.
A ex-diretora havia se reunido com o secretário de Cultura logo após a posse dele, em 18 de janeiro. Segundo ela, a principal discussão foi sobre a sede para a OSMC na programação de 2012, já que o Teatro do Centro de Convivência encontra-se fechado.
De acordo com a ex-diretora, o maestro Victor Hugo Toro, que está no Chile, ficou “chocado” com a notícia.
Adriana Canguçu, que atuou por dois anos como produtora executiva na CPFL Cultura, assumiu a Sinfônica Municipal de Campinas após exoneração do músico Arthur Achilles, então diretor administrativo.

Fonte: http://www.concerto.com.br/

THEATRO MUNICIPAL DO RIO DE JANEIRO ADIA INÍCIO DE TEMPORADA. ARTIGO DE LEONARDO MARQUES NO BLOG DE ÓPERA E BALLET.

2012-01-30T03:09:00.000-08:00

Transferência para maio visa preservar os equipamentos do Theatro, que foram atingidos por poeira e fumaça do desabamento dos 3 prédios próximos.

A direção do Theatro Municipal do Rio de Janeiro decidiu transferir a abertura da Temporada 2012, do mês de março para maio, devido ao desabamento de três edifícios na Rua Treze de Maio e na Travessa Manuel de Carvalho.
Embora não tenha sofrido danos estruturais – fato ratificado por fontes diversas –, alguns destroços chegaram a invadir o Theatro. Poeira e fumaça atingiram todo o palco, incluindo seus elevadores, varas e equipamentos eletrônicos. Já o Anexo do Municipal teve parte da fachada e a bilheteria destruídas.
Segundo nota oficial da Assessoria de Imprensa da casa, técnicos de diversos sistemas que operam o Theatro estiveram quinta e sexta-feira no local para avaliar a situação dos equipamentos operacionais. Entretanto, a existência de algum comprometimento no maquinário só poderá ser realmente determinada depois de encerrados os trabalhos de resgate e remoção de destroços na região, previstos para durarem até dois meses.
De acordo com o maestro Silvio Viegas, Diretor Artístico do Municipal, só então será possível realizar a devida higienização nos aparelhos do teatro, reconstruir a bilheteria e a fachada do Anexo e, se necessário, substituir e/ou consertar equipamentos. É possível que também seja necessário corrigir a estrutura do Anexo, dependendo da avaliação da Defesa Civil, de forma a garantir a segurança de todos.
Ainda segundo Viegas, com quem falei neste sábado por telefone, o Theatro realizará ajustes na sua programação própria para este ano, que deve ser divulgada durante o mês de fevereiro. Antes da tragédia, a programação estava prevista para ser divulgada no fim desta semana que passou ou no começo da próxima.
A Orquestra Petrobras Sinfônica, que já havia anunciado sua temporada e até iniciado a venda de assinaturas, deverá também efetuar ajustes em sua programação, alterando-a ou cancelando concertos (duas apresentações estavam previstas para março e abril, incluindo a ópera Piedade, de João Guilherme Ripper). Torçamos para que a orquestra consiga reprogramá-la ainda para esta temporada.
Tudo seria mais fácil se a cidade tivesse outros equipamentos adequados à apreciação de música sinfônica e ópera que pudessem receber os eventos que, durante dois meses, não poderão ser realizados no Municipal. No entanto, a Sala Cecília Meireles continua em reforma, e a inauguração definitiva da Cidade das Artes (antiga Cidade da Música) parece uma novela interminável. Será que a Prefeitura do Rio, que demonstra ser incapaz de realizar as fiscalizações necessárias à segurança da população (bueiros que explodem; restaurante com instalação de gás inadequada que também explode; prédios que desabam, etc… etc…), vai tomar jeito e colocar aquele elefante branco para funcionar?
Eduardo Paes pode ter suas razões ao criticar algumas ações de seu antecessor, César Maia, que não teve competência para concluir a obra durante seu mandato, mas ao cuidar da Cidade das Artes do jeito que cuida, o atual prefeito iguala-se ao anterior em termos de incompetência, já que, quase completando seu atual mandato, também foi incapaz de colocar aquele equipamento, então quase pronto, para funcionar. No que diz respeito à Cidade da Artes, a única coisa que Eduardo Paes fez foi trocar o nome do empreendimento. Os dois políticos são ou não são, farinha do mesmo saco?

Leonardo Marques

Fonte: http://www.movimento.com/

DIVULGAÇÃO -QUATRO ANOS DA SÃO PAULO CIA DE DANÇA.

2012-01-28T13:51:00.000-08:00

LIGIA AMADIO EM ENTREVISTA EXCLUSIVA PARA O BLOG DE ÓPERA E BALLET.

2012-01-27T03:40:00.000-08:00

      A maestrina Ligia Amadio esteve mais de dois anos a frente da Orquestra Sinfônica da Universidade de São Paulo. Sala São Paulo lotada , repertórios diversificados , compositores nacionais em todas as apresentações e elogios do público e da crítica. Algum gênio da burocracia nacional decidiu que o trabalho da maestrina não era adequado e pediu sua saída em 2012. Perde a OSUSP , o público e a cidade de São Paulo.
    O artigo publicado nesse blog, no dia 16/01/2012 intitulado "A Orquestra Sinfônica de Universidade de São Paulo e a truculência do autoritarismo " criticando a saída da maestrina e reclamando dos rumos que foram programados para a OSUSP em 2012 foi a maior audiência do Blog de Ópera e Ballet desde a sua criação. Número de acessos dez vezes maior que a média, pubicado em diversos sites pelo Brasil afora e com base nele estudantes da Universidade de São Paulo escreveram outras matérias. O público se sensibilizou com o fim de um grande trabalho.
    Ligia Amadio falou com exclusividade para o Blog mais erudito da rede e conta em detalhes os motivos de sua saída.

Ligia Amadio

    Blog de Ópera e Ballet: Você é uma das poucas mulheres no Brasil a se destacar como regente de orquestra, já sentiu alguma reação negativa por parte dos músicos ao assumir o controle de uma orquestra?

Ligia Amadio: Pessoalmente, nunca percebi reação negativa pelo fato de ser mulher. Se essa reação ocorreu alguma vez, eu não a associei a essa causa. Com minha resposta, não estou afirmando que essa reação não exista, ou que não tenha impedido ou dificultado a outras mulheres ou a mim mesma ocupar cargos de regência em orquestras sinfônicas. Eu particularmente não tenho capacidade para interpretar a realidade de uma forma sexista e me custa muito imaginar que algo me ocorra por essa razão. Por outro lado, havia um crítico em Buenos Aires que me perseguia regularmente cada vez que eu regia naquela cidade, a tal ponto dos músicos da Orquestra Filarmónica de Buenos Aires, liderados por seu spalla, assinarem um abaixo-assinado endereçado a um dos mais importantes jornais argentinos, exigindo uma retratação do mesmo. Nessa carta, o referido crítico foi tratado de misógino pelos músicos.

Blog de Ópera e Ballet: Como maestrina você já foi convidada a reger em diversos países. Existe diferença técnica ou cultural entre o Brasil e outros países?

Ligia Amadio: Diferenças culturais existem certamente, até de uma cidade a outra em nosso próprio país. Diferenças técnicas ou artísticas, não necessariamente, e independem de nacionalidade. Há músicos mais ou menos preparados ou engajados em toda parte. Assim como há orquestras que oferecem condições mais ou menos profissionais a seus integrantes.

Blog de Ópera e Ballet: Você trabalhou com a Orquestra Sinfônica Nacional do Rio de Janeiro entre os anos de 1996 a 2008. Como você define seu trabalho com esta orquestra?

Ligia Amadio: Trabalhei 12 anos como regente titular e diretora artística da Orquestra Sinfônica Nacional, atual UFF, ex-Rádio MEC. Foram anos de imensa luta e incansável determinação, contando com condições administrativas e financeiras muito precárias. Entretanto, a história dessa grande orquestra e a qualidade artística e humana de muitos de seus integrantes me alentaram a empreender essa batalha. Espero modestamente que minha gestão seja lembrada por ter sido uma época de construção e de desenvolvimento artístico, pois esse foi meu principal objetivo, pelo qual abdiquei de uma parte muito importante de minha vida. Uma de nossas mais importantes realizações nesse período foi a inconclusa Série Música Brasileira no Tempo, uma coleção de CDs e DVDs que trataram da história da música brasileira e de seus mais importantes movimentos estéticos. O objetivo do MEC seria difundir essa coleção para todas as instituições de ensino públicas de nosso país, mas até agora, infelizmente, essa ação só foi concretizada em relação ao primeiro volume da série.

Blog de Ópera e Ballet: Em suas apresentações sempre aparecem obras de compositores nacionais. A música nacional , do passado e do presente , pode estar presente em grandes orquestras?

Pode e deve. O universo da música brasileira é riquíssimo, variado e de alta qualidade. As orquestras que não executam música brasileira regularmente em suas programação, não estão cumprindo com uma de suas funções mais importantes, que é a de promover e divulgar a música nacional de todas as épocas e estilos.

Blog de Ópera e Ballet: Você esteve a frente da Orquestra Sinfônica da Universidade de São Paulo por duas temporadas completas, depois de um excelente trabalho , elogiado pelo público e pela crítica, seu contrato não foi renovado para a temporada de 2012. Quais os motivos de sua saída da OSUSP?

Ligia Amadio: Desconheço as verdadeiras razões. Eu já imaginava que isso pudesse ocorrer - apesar do sucesso de nossas temporadas e da excelente relação humana e profissional que mantinha com os integrantes da orquestra - pois já no início de 2011 a pró-reitoria de cultura e extensão universitária da USP havia me deixado sem contrato nos meses de janeiro, fevereiro e meados de março, sem nenhuma definição sobre a continuidade ou não de meu trabalho junto à OSUSP no ano que se iniciava. Meu contrato foi refeito no primeiro dia de ensaio do ano. No dia 10 de dezembro de 2011, após o último concerto da temporada oficial, fui informada por email pelo diretor da OSUSP que existia a previsão da criação, pela Reitoria, de uma comissão para avaliar as questões musicais da USP como um todo, e que as ações dessa comissão deveriam nortear procedimentos futuros, incluindo contratações e concursos . Por essa razão, eles entendiam que, em função das prováveis modificações que seriam introduzidas a partir do trabalho dessa Comissão da Reitoria e por questões legais (tempo de contrato de prestação de serviços), não deveriam manter o contrato de temporada completa comigo ou com outro regente.

Provavelmente, não foram razões artísticas que nortearam essa tomada de decisão, já que no mesmo e-mail também me parabenizavam pelo último concerto e por todo o trabalho realizado com a OSUSP, e afirmavam que o aplauso do publico e os comentários elogiosos dos dirigentes, professores e funcionários da USP demonstravam que a orquestra havia trilhado um bom caminho e que a universidade havia cumprido com seu papel na difusão da música de concerto.

Blog de Ópera e Ballet: Você assumiu a OSUSP por escolha dos músicos, votação direta após uma lista tríplice. Voce acha esse método ideal para se escolher o regente de uma orquestra?

Ligia Amadio: Eu acredito na liberdade de expressão e na participação política como a forma mais legítima de organizar a vida social e institucional. Em todas as orquestras em que trabalhei como regente titular, fui eleita pelos músicos.

Independentemente de minha opinião a esse respeito, o fato é que fui eleita dessa forma numa orquestra cujo regimento rezava designar seu regente titular e diretor artístico ao regente assim eleito. A pró-reitoria de extensão e cultura universitária evitou, entretanto, designar-me como regente titular e diretora artística da OSUSP desde o princípio de minha contratação.

A partir de uma alteração realizada no regimento da OSUSP em 2011 (sem conhecimento ou participação dos integrantes da orquestra), a orquestra perdeu o direito democrático de escolher seu próprio regente titular e diretor artístico.

Blog de Ópera e Ballet: O novo método proposto para a OSUSP em 2012 é um regente para cada concerto, o que você acha desse método ?

Se eu conhecesse o propósito desse método, poderia avaliar a eficácia do mesmo. Aparentemente, o novo método deveria servir aos propósitos que nortearam a alteração do regimento da orquestra.

Sob o ponto de vista puramente artístico, essa forma de organizar a programação provavelmente será contraproducente, uma vez que se torna impossível imprimir certos critérios de sonoridade, de intensidade de execução e de evolução de repertório a um grupo orquestral, sem uma direção artística definida, coerente e experiente.

Um maestro titular dá personalidade e plasma a sonoridade de uma orquestra, de acordo com suas concepções estéticas. Sem uma liderança artística competente, por melhor que seja a orquestra, fica difícil construir um caminho consistente.

Blog de Ópera e Ballet Quais os planos de Ligia Amadio para 2012?

Ligia Amadio: Além de continuar meu trabalho como regente titular e diretora artística da Orquestra Filarmônica de Mendoza, na Argentina, regerei, como de costume, uma série de concertos como convidada em outros países. Além dos concertos sinfônicos, tenho o compromisso de reger 3 óperas e de integrar o júri de um importante concurso internacional de piano. Recomeço minhas atividades em fevereiro, dirigindo no Festival Internacional de Música Al Bustan, no Líbano, e na Argentina. Em 2012, estarei, na maior parte do tempo, atuando fora do Brasil.

CRÔNICAS OPERÍSTICAS: OS INGRESSOS PARA SAMSON ET DALILA.

2012-01-24T13:26:00.000-08:00

    Raphael Cilento foi um grande conhecedor e colecionador de vídeos de óperas. Em VHS o homem era imbatível, tinha mais de duas mil óperas. Muitas dela no sistema PAL europeu, inacessível para a maioria dos brasileiros da época. Muitas das raridades de meu acervo devo a ele. Muito do que aprendi foi com ele .Seu Verdi Opera Club dos anos 80 foi um sucesso de público.
   Um dia em sua casa, eu comentava orgulhoso sobre a excelente gravação da ópera Samson et Dalila de Saint-Saëns com o tenor John Vicker e mezzo Shirley Verret que acabara de assistir. Cilento dá um sorriso e me conta a aventura prosaica que passara, em Londres, por causa dessa ópera.
   Estava ele e sua amada esposa na terra da rainha na época da apresentação de Samson et Dalila. Lembro que no ano de 1981 não existia internet, celular e nem a Madona fazia sucesso. Cilento corre para a bilheteria do famoso teatro londrino, Royal Opera House, Covent Garden, suporta na fila o frio e a chuva da capital inglesa por eternas 3 horas. Com apenas três pessoas a sua frente vê decepcionado a placa de ingressos esgotados.
   Cilento não se dá por vencido, roda a baiana londrina. Faz um escarcel, ameça chamar a Scotland Yard , diz que vai até a rainha se for preciso. Argumenta na bilheteria que veio do Brasil só pra assistir a ópera. A frieza do bilheteiro é gélida e bem britânica, ingressos esgotados e porta fechada na cara.
Um senhor inglês ouve todo o quiprocó e se sensibiliza com o brasileiro maluco. Lhe oferece seus dois únicos ingressos, o problema é o lugar, a galeria. Ruim com eles , pior sem eles. Cilento compra os ingressos do prestativo cidadão, assiste com sua esposa a récita da galeria e tem uma bela história pra contar.
   Eu, como não tinha idade nem dinheiro para estar em Londres em 1981, assisti Samson et Dalila em DVD e comentei os melhores lances para o blog de Ópera e Ballet:
A produção nos remete à época bíblica, cenários e figurinos lembram a África e o Oriente Médio. Direção correta, clássica. O balé é brega com figurinos e coreografia carregada, mas fazem seu dever, mostrar um bacanal.
   O forte do DVD são as Vozes. Verret está no auge, sua voz possante tem um brilho e cor perfeitas para a Dalila, mas não é só de voz que se faz uma grande Dalila, sua atuação dramática é excelente. Seduz Sansão com olhares maliciosos, encanta , enfeitiça o pobre coitado com gestos e toques que chamam para o sexo.
    Vicers fez fama como tenor wagneriano, tira de letra Sansão. Faz um personagem abatido, sempre em dúvida se fica com Dalila ou segue lutando com seu povo. Sua voz é pura potência, escura, agudos fáceis com grande projeção. Grande voz aliada a uma grande atuação faz um Sansão perfeito.
    A orquestra do Royal Opera House regida or Colin Davis faz uma boa performance. Destaque as madeiras, impecáveis. Tempos corretos aliados a boa regência ajudam muito a obra. Outro destaque que não pode deixar de ser citado é o barítono é John Tomlinson, vozeirão com graves escuros.

Ali Hassan Ayache

Teatro Municipal de Santiago tem 6 óperas em 2012

2012-01-23T13:10:00.000-08:00

A célebre “CARMEN”, aclamada ópera de Bizet, com sua apaixonada e sensual cigana, foi a escolhida para abrir a temporada lírica do Teatro Municipal de Santiago do Chile.

Ilustração da ópera Carmen no Chile

Para interpretar “Carmen” o mezzo soprano Maite Beaumont. O tenor coreano Alfred Kim, que representou “Il Trovatore” aqui no Rio de Janeiro, no Theatro Municipal em 2010, será o oficial Don José. O soprano lírico francês Marie-Adeline Henry cantará a Micaela e o barítono Craig Verm o Escamillo. Emílio Sagi, um dos mais requisitados diretores de cena da atualidade mundial, se encarregará do trabalho cênico, neste espetáculo que descerrará a temporada que começará no mês de maio. Direção musical do maestro chileno José Luiz Dominguez e Núria Castejón assina o ballet espanhol.
Para junho, “Lucrezia Borgia“, de Donizetti, há quase duas décadas ausente do palco do Municipal chileno. A obra do compositor memorável do bel canto italiano será encenada pelo reconhecido artista francês Jean-Louis Pichon, experimentado diretor da cena lírica, pelo soprano Carmen Giannatasio e Marianna Pizzolato (mezzo soprano), ambas italianas, o tenor sul coreano Shi Vijie e o baixo romeno Bálint Szabó como Don Alfonso. A cenografia e vestuário a cargo do grande Pablo Núñez ambientará a cidade italiana de Ferrara, durante o Séc. XVI. A regência é de Rani Calderon, diretor artístico e regente titular da Orquestra Filarmônica de Santiago.

Julho será a vez de “Il Postino“, chegando ao Chile a exitosa ópera de Daniel Catán, baseada na obra homônima de Antonio Skármeta, cuja estréia mundial, se deu em Los Angeles em 2010. Grant Gershon é o diretor de orquestra e Ron Daniels o diretor de cena, com Placido Domingo interpretando Pablo Neruda, o grande soprano chileno Cristina Gallardo-Domás como Matilde. Debutando no Chile, o tenor Charles Castronovo (como il postino) e ainda Amanda Squitieri (soprano) no papel de sua amada Beatrice, e a mezzo soprano chilena Nancy Fabíola Herrera. Coreografia de David Bridel e cenografia e vestuário de Ricardo Hernández. Promete ser um sucesso em todo o ambiente cultural chileno, não só porque traz uma história intimamente ligada ao Chile, através do grande poeta Pablo Neruda, como também conta com os mesmos artistas principais que participaram em sua estreia mundial.
“Tannhäuser“, de Wagner, que seus admiradores esperavam há tempos, será em agosto. Após quase trinta anos, sobe à cena a ópera do compositor germânico. Continuará a incursão ao universo wagneriano o Mtrº Rani Calderon à frente da Filarmônica de Santiago, com a presença de Frank Van Aken, Eva-Maria Westbroek, Natascha Petrinsky Andreas Bauer e Markus Marquardt nos papéis principais. Michel Hampe será o diretor de cena e Gérman Droghetti fará cenários e vestuários, dois artistas que tantos êxitos já mostraram nesse mesmo teatro em temporadas recentes.
“Attila“, de G. Verdi virá em Setembro, com Alberto Hold-Garrido (maestro regente) e Curro Carreres (na direção teatral). Os solistas são o baixo Stefan Kocán no papel protagônico, o ascendente soprano dramático ucraniano Liudmyla Monastyrska, o barítono Vitaliy Bilvy e o tenor Russell Thomas, que cantou essa mesma ópera no Metropolitan de New York, dirigido por Riccardo Muti.
Finalmente em Outubro, Mozart volta ao palco chileno com “Don Giovanni“, a genial criação do mestre. Jan Latham-Koenig (regente do espetáculo ) com a direção de cena do italiano Pier Francesco Maestrini, cuja “Tosca” da temporada de 2011, deixara uma excelente impressão. A distribuição dos papéis tem o baixo-barítono lituano Kostas Smoriginas como Giovanni; os sopranos Olga Mykytenko e Serena Farnocchia; o tenor Emílio Pons, o barítono Sergej Artamonov e o baixo Alexei Tikhomirov (Comendador). Cenografia de Juan Guillermo Nova, vestuário do italiano Luca D’Allalpi e iluminação de Jose Luis Fiorruccio. Participam das óperas o Coro do Teatro Municipal, cujo maestro é Jorge Klastornick e o Ballet de Santiago, sob a direção da brasileira Márcia Haydée.
Num país pequeno como o Chile, a organização prévia relacionada à cultura, serve de exemplo para nós no Brasil, onde infelizmente, não se tem notícias, no que concerne às temporadas líricas do país.

Teatro Municipal de Santiago
O Teatro Municipal de Santiago é o centro cultural mais antigo do Chile e cenário fundamental de obras de todo o mundo. Destacam-se em suas funções a ópera, o balé, concertos sinfônicos e de câmara e também apresentações de teatro. Pertencente à ilustre municipalidade de Santiago, o edifício foi desenhado pelo arquiteto Claudio Francisco Brunet des Bains, inspirado no estilo neoclássico francês.
Foi inaugurado em 17 de setembro de 1857 com a ópera “Ernani”, de Giuseppe Verdi e a montagem ficou a cargo de uma companhia italiana. Desde o início, o teatro desenvolveu uma atividade sumamente relevante para a época, como espaço para o difusão da cultura.
O Teatro Municipal é administrado pela Corporação Cultural de Santiago e abriga instituições fundamentais para om desenvolvimento artístico nacional, como a Orquestra Filarmônica, o Balé de Santiago e o Coro do teatro, além de um corpo completo com oficinas de vestuário, sapataria e estatuária, entre outros. O teatro é uma verdadeira fábrica de arte.

Fonte: http://www.movimento.com/

LAMBANÇA PORTUGUESA: TEATRO SÃO CARLOS CANCELA TRÊS ÓPERAS

2012-01-22T07:42:00.000-08:00

O Teatro São Carlos, em Lisboa, cancelou as óperas Turandot, Francesca da Rimini e Don Pasquale e adiou a apresentação de Madama Butterfly.

A reformulação da temporada foi comunicada em primeiro lugar aos portadores de assinatura do São Carlos e deve-se à contingência da situação financeira e econômica de Portugal e consequente diminuição da indenização compensatória de 2012 para aquele teatro.

Teatro Nacional São Carlos - Lisboa

Numa carta enviada aos portadores de assinatura, a direção do teatro refere que a reformulação da temporada foi efetuada de modo a ocupar os corpos artísticos do S. Carlos e do teatro, não retirando qualidade aos espetáculos a serem apresentados, tal como o público é merecedor, disse a mesma fonte. A reformulação da temporada foi também pensada para que não sejam contraídas dívidas.
Assim, além do adiamento de Madama Butterfly, uma produção da Ópera Real de Copenhage prevista para Março e que será apresentada em data a anunciar, o São Carlos decidiu cancelar os espectáculos Turandot e Francesca da Rimini, da iniciativa Contar uma ópera, previstas para Maio, e Don Pasquale, uma produção do Teatro La Fenice, de Veneza, prevista para Junho.
No âmbito da reformulação da temporada lírica, a ópera Cosi fan tutte, de Mozart, que estreia a 14 de Janeiro, ficou reduzida a cinco das seis récitas iniciais, abolindo-se a de 26 de Janeiro.
As duas récitas de Amor-traição-morte, a primeira de quatro pequenas óperas contemporâneas em estreia absoluta no São Carlos, que estreava a 5 de Fevereiro e repetia a 7, foram adiadas para 2 e 3 de Março.
A temporada remodelada do São Carlos inclui ainda uma nova produção de uma pequena ópera - La Rondine, de Puccini – que sobe ao palco do São Carlos em Maio, em datas a anunciar, e que constitui uma estreia absoluta naquele palco de Lisboa.
A indenização compensatória do Teatro Nacional de São Carlos para 2012 diminuiu 20 por cento, passando de 19 milhões de euros em 2011 para 15 milhões em 2012.

FONTE: http://www.movimento.com/

Theatro Municipal terá grande programação para a comemoração dos 90 anos da Semana de Arte Moderna.

2012-01-20T12:33:00.000-08:00

DVD LANÇAMENTO : ÓPERA

2012-01-19T11:58:00.000-08:00

RECITAIS EUBIOSE INICIA A PROGRAMAÇÃO 2012.

2012-01-19T11:57:00.000-08:00

No dia 5 de fevereiro, o duo ministrará master-classes das 15h às 19h. As inscrições podem ser feitas por telefone e pessoalmente, na Secretaria do Departamento, com Eliana (após 14h30), ou também por e-mail contato@recitaiseubiose.com.br. Participantes: R$ 70,00 (1 dia) ou R$ 120,00 (dois dias). Ouvintes: R$ 30,00 (1 dia) ou R$ 40,00 (dois dias). Dependendo do número de participantes, as master-classes acontecerão também no dia 7 de fevereiro.
A Sociedade Brasileira de Eubiose sempre esteve ligada às atividades artísticas como música, canto, exposições e teatro. Além dos Recitais Eubiose, a Sociedade promove cursos, palestras, master-classes e workshops de temas variados.

PROGRAMA

Franz Liszt (1811-1886)
Du bist wie eine Blume ( Heinrich Heine)
Des Tage laute Stimmen schweigen (Ferdinad von Saar)
Ein Fichtenbaum steht einsam ( Heinrich Heine)
Einst (Friedrich v. Bodenstedt)
Gebet (Idem)
Sei still (Henriette von Schorn)
Consolação nº 2- piano solo
O Lieb (Ferdinad Freiligrath)
Oh, quand je dors ( Victor Hugo)

Gustav Mahler (1860-1911)
Rückertlieder
Liebst du um Schönheit
Ich atmet’ einen linden Duft
Blicke mir nicht in die Lieder
Um Mitternacht
Ich bin der Welt abhanden gekommen

Os intérpretes

João Moreira Reis e Eduardo Janho-Abumrad

O duo formado pelo baixo Eduardo Janho-Abumrad e o pianista João Moreira Reis atua desde 1985. Constam de suas apresentações obras dos períodos que vão do barroco ao romantismo, incluindo os nacionalistas espanhóis e brasileiros. Além das inúmeras performances nacionais e internacionais, em prestigiosas salas brasileiras e italianas, como Sala Giuseppe Verdi (Milão), Auditório Rai (Turim), Palazzo Ottolenghi (Asti), Masp, Sala Jardel Filho CCSP, Teatro Municipal (São Paulo), etc., os musicistas ministram cursos de aperfeiçoamento técnico e de interpretação lírica e de câmera, como ocorreu nos Cursos de Canto do Festival de Inverno de Campos do Jordão, do Spazio d’Arte em Sorocaba e os de Sabará/UniBH, Minas Gerais, além de Master classes em vários estados brasileiros. Tem por orientador o pianista Ricardo Ballestero.

Eduardo Janho-Abumrad (Baixo)
Sua estreia profissional aconteceu no Theatro Municipal de São Paulo, na temporada de 1976, nas óperas verdianas La Traviata e Macbeth; posteriormente cantou no Teatro Cultura Artística, como solista da Missa Diligite, de Camargo Guarnieri, sob a regência do autor em 1977.
Em sua primeira viagem à Europa, em 1979, participou do Festival de Música de Santiago de Compostela e gravou autores brasileiros para a Radiotelevisión Española, estreando Werther no Theatre de la Monnaie, em Bruxelas. Em segunda incursão européia (1987-1995), cantou no Festival Verdi de Ludwigshafen, Alemanha (Il Corsaro) e, no Festival de Martina Franca, Les Pêcheurs de Perles, de Bizet (gravado pelo selo Nouva Era), e Gala Mozart, dois dos Festivais mais importantes desse continente. Apresentou-se nas Salas Verdi e Puccini do Conservatório Giuseppe Verdi, de Milão e no Teatro da Rai de Turim.
Após a volta ao seu país, cantou Requiem, Nabucco, Il Trovatore, Rigoletto e Macbeth, de Verdi, Salvator Rosa, Il Guarany e Lo Schiavo, de Carlos Gomes, Il Barbiere di Siviglia e Missa Solene, de Rossini, a criação de Gonçalo em A Tempestade de Ronaldo Miranda, Ways of the Voice de Leo Kupper em São Paulo, Espanha e Bélgica.
Desde o início de sua carreira, privilegiou, além da ópera e da música vocal-sinfônica, a música de câmera. Mantém o Duo Abumrad-Reis, formado em 1983 e que possui em seu currículo apresentações em prestigiosas Salas de Concerto, pelo Brasil e pela Europa. Gravou Remeiros do São Francisco, de Ernst Widmer, pela Paulus, Way of the voice, para o selo Akron, Dedicatórias, composto de canções nacionais, com o pianista João Moreira Reis e Top 28, memória da Ópera Brasileira, ambos pela Algol. Estudou com Tiana Amarante e Herminia Russo (Brasil) e Romolo Gazzani e Rodolfo Celetti (Itália).
No âmbito do ensino, Eduardo Janho-Abumrad leciona aulas particulares de canto desde 1978, tendo atuado como professor de técnica vocal no “Civico istituto di Musica G. Verdi”, em Asti, Itália; professor de canto e criador do curso de “Música Brasileira” nos Festivais de Inverno de Campos do Jordão (1981-1982), professor no Conservatório de Tatuí, tendo sido ainda o criador do Programa Oficial de canto da Faculdade Santa Marcelina de Música (1987), além de ministrar workshops e masterclasses.

João Moreira Reis (Piano)
Natural de Barretos, SP, onde iniciou os estudos musicais e de piano com Janette Bampa, tendo se diplomado pelo Conservatório Musical “Carlos Gomes”. Posteriormente, concluiu o curso de piano pela Faculdade Paulista de Arte, na capital paulista, onde estudou com Vera Velloso e André Müller, com quem retomou os estudos de aperfeiçoamento técnico e estilístico em 2004.
Desde 1985, colabora ao piano com cantores eruditos, acrescentando à atividade de solista a de camerista, com apresentações no Brasil, Alemanha e Itália, em salas como MASP e Biblioteca Mário de Andrade, em São Paulo, Auditório Cláudio Santoro, em Campos do Jordão, Palácio das Artes, em Belo Horizonte, Estúdio Bennet Kleintje, em Munique/Alemanha, Auditório RAI de Turim, Palazzo Ottolenghi, de Asti, e Academia Européia de Música de Erba, na Itália.
Registrou para a Europa Rádio de Milão e gravou o CD “Dedicatórias”, pela Algol (São Paulo). Luiz Gonzaga de Oliveira (Brasil), Fábio Luz e Adriana Maimone (Itália) são nomes que influenciaram seu aperfeiçoamento.
Ao lado de sua carreira como solista e camerista, João Moreira Reis dedica-se também ao ensino do piano, tendo atuado em diversas instituições de ensino musical, como no Conservatório Musical Carlos Gomes de Barretos-SP, na Escola de Música “Estúdio Musical”, de São Paulo, além de ser pianista acompanhador em masterclasses de canto de cantores como Franco Iglesias, Eduardo Janho-Abumrad, entre outros.

Sociedade Brasileira de Eubiose
Esta sociedade aprofunda, através de cursos e práticas, o estudo da Cosmogênese (origem dos universos) e da Antropogênese (origem do homem) para o oferecimento de subsídios com vistas à uma construção crítica do autoconhecimento, ancorada no crescimento coletivo e na fraternidade universal dentro de uma visão espiritualista comprometida com a realidade. Com esse foco, dedica-se também a ações sociais, culturais e artísticas.
http://www.recitaiseubiose.com.br/

SERVIÇO

Sociedade Brasileira de Eubiose
Sala Henrique José de Souza
Av. Lacerda Franco, 1059 – Aclimação
Tel: 11 3208-9914 / 3208-6699
Dia 14 de fevereiro, sábado, às 20h.
Ingressos: R$ 20,00 e R$ 10,00
Meia-entrada para terceira idade, estudantes, e associados.
Retirar os ingressos até uma hora antes do recital. Antecipadamente após as 14h30, por telefone, ou por email contato@recitaiseubiose.com.brAdquira seu ingresso on-line pelo site http://www.recitaiseubiose.com.br/
Estacionamento conveniado no número 1074 até as 23h.

Fonte: http://www.movimento.com/

DVD LANÇAMENTO : BALÉ

2012-01-18T11:47:00.001-08:00

"ANNA BOLENA " TEM BAIXO BRASILEIRO NA ITÁLIA.

2012-01-18T11:47:00.000-08:00

Luiz-Ottávio Faria, neste mês de janeiro, vai debutar na ópera Anna Bolena, de Donizetti, no Teatro Verdi de Trieste.

Nos próximo dias 17, 18, 20, 22, 24, 27 e 28 de janeiro de 2012, o nosso baixo Luiz-Ottávio, estará debutando no papel de Henry VIII, em Anna Bolena, de Gaetano Donizetti, numa produção de Graham Vick, com a mais importante cantora Italiana do momento, a diva Mariella Devia, entre outras estrelas.

Luiz-Ottávio Faria

Luiz-Ottávio Faria

Tem um registro vocal raríssimo no Brasil, o de baixo profundo. Natural de Bonsucesso, Rio de Janeiro, estudou canto com os professores Fernando Teixeira, Nilze Mírian Vianna, Simon Estes e Benjamin Mathews. Graduou-se na prestigiada Juilliard School of Music, de Nova Yorque. Também estudou canto na Uni-Rio, Escola de Música Villa-Lobos e American Institute of Musical Studies, Áustria.
Luiz-Ottavio Faria galga uma segura e bem construída carreira internacional. Debutou cantando Tommaso, no Theatro Municipal do Rio de Janeiro, ao lado de Carlo Bergonzi e Fernando Teixeira, sob a regência do maestro Isaac Karabtchevsky.
Apresentou-se com grande sucesso e consagrado pela crítica do New York Times, London Financial Times e Opera News, no papel de Marcel em Les Huguenots no Carnegie Hall, onde também já cantou Ernani, Jerusalém, Adelia e Lucrezia Borgia, ao lado da soprano Renne Fleming; Nabucco, com a Opera Carolina; o Requiem de Verdi em New York City; Faust com a Connecticut Grand Opera; Don Giovanni no Festival de Roma; A Flauta Mágica com Knoxville Opera, Tennessee; o Requiem de Mozart com o Brooklyn Coral Sociaty; Don Carlo com o Theatro Municipal de São Paulo, sob a regência do Maestro Ira Levin; A Flauta Mágica com o Coral Lirico de Nova Jersey e, finalmente, La Gioconda, ao lado de Aprile Millo, Kitic, Obratzova, Giodarni e Golesorkhi no Carnegie Hall.
Entre suas apresentações de mais destaque, estão as óperas Turandot, Ernani, Rigoletto, La Gioconda, Macbeth, Aída, Il Trovatore, Don Giovanni, A Flauta Mágica, Mefistofile, Norma e Porgy and Bess. Deve-se registrar também o seu excelente domínio de interpretação no repertório sinfônico, em que já cantou o Requiem de Verdi, em Quebec, e na cidade do México, New York e no Festival Cervantino em Guanajuato, México; A 9a. sinfonia de Beethoven em New York; Requiem de Mozart; the Kingdom, de Eward Elga;, Magnificat de Bach e Stabat Mater de Rossini.
Na temporada de 2005-2006, participou da Florencia en el Amazonas, opera de Daniel Catan, com Seattle Opera, Aída com o Coral Lírico de Nova Jersey, Macbeth no Theatro Municipal do Rio de Janeiro, Stabat Mater de Rossini com o Brooklyn Coral Society, Otello com a Opera de Nova Orleans e o Pescador de Pérolas com a Opera Carolina, Charlotte, North Carolina.
Apresentou-se sob a regência de consagrados Maestros como Isaac Karabtchevsky, Alfredo Silipigni, Yoav Talmi, Goetz Friedrich, Neil Veron, Mark Flint, Eve Queler, Will Crutchfield, Eugene Kohn, Roberto Duarte, Bernard Labadie, Lígia Amadio, Enrique Batiz, George Mester, Sílvio Barbato, Francis Graffeo, Ira Levin, James Meena, Kyle Swann, Kevin Stites, François Clemmons, Italo Marchini e Vjekoslav Sutej.
Foi vencedor de vários concursos nacionais e internacionais entre eles: Die Meistersinger, Áustria, Opera Index, Ywca, Lola Hayes, Great Buffalo, New York, New Jersey State Opera e The William Mathews Sullivan Music Foundation Award. Amante do mar e da natureza, divide o seu tempo entre New York e Rio de Janeiro, onde tem sua residência favorita.

Saiba mais, acessando o endereço:
http://www.teatroverdi-trieste.com/verdi2009a/1.Attivita2012/Lirica2012/1.AnnaBolena/1.IndexAnnaBolena.asp

Fonte: http://www.movimento.com/

A ORQUESTRA SINFÔNICA DA UNIVERSIDADE DE SÃO PAULO E A TRUCULÊNCIA DO AUTORITARISMO.

2012-01-16T03:10:00.000-08:00

O ano de 2012 começou com uma ingrata surpresa, caiu-me a cara no chão quando soube da triste notícia . A Revista Concerto publicou e o Jornal do Brasil confirmou. A temporada de 2012 não contará com a batuta de Ligia Amadio a frente da Orquestra Sinfônica da Universidade de São Paulo. Após duas temporadas completas , programas que abrangeram um repertório complexo e rico, sempre lembrando dos compositores nacionais .Qual o prêmio que a maestrina recebe? Uma medalha de Honra ao Mérito, não caros amigos, a não renovação de seu contrato.

Uma questão perturba minha mente, lembrei da data de sua nomeação. A maestrina foi eleita pelos membros da orquestra, por voto direto após uma lista tríplice. Imaginei que os músicos não a desejassem mais e a tivessem defenestrado. Pergunto a algumas fontes, colegas que conhecem a fundo a orquestra e descubro uma verdade aterradora. Os músicos da OSUSP não elegem mais o regente . “Democraticamente” mudaram o estatuto, no calar da madrugada uma virada de mesa. Todo o poder cabe a Pró-Reitoria de Cultura e Extensão Universitária chefiada pela Socióloga Maria Arminda do Nascimento Arruda juntamente com o diretor da OSUSP professor Edson Leite. A Universidade de São Paulo sempre teve princípios democráticos em seu lema, essa mudança me lembra a truculência da ditadura militar.

O novo formato escolhido para a OSUSP em 2012 não é utilizado em lugar algum. Convidar um regente a cada concerto é fazer leilão. Toda grande orquestra possui um regente titular, convidam-se alguns regentes para a orquestra ganhar experiência. Um titular é imprescindível na unidade e na sonoridade. O futuro com esse formato é incerto, cada um metendo sua colher, vai azedar o bolo.

Ligia Amadio fez um grande trabalho com a OSUSP. Deu sonoridade, corpo, estilo em um repertório complexo. Muitos em seu lugar poderiam optar pelo arroz com feijão , fazer repertórios fáceis. Ligia Amadio não teve mede de correr riscos, colocou sua orquestra para tocar Mahler, Rachmaninoff, Sibelius, Prokofiev, Brahms , Liszt entre outros. Compositores nacionais de todos os estilos participaram de seus programas. Exigiu tudo dos músicos, trouxe grandes solistas, lotou a Sala São Paulo. Trabalho impecável recompensado com uma demissão.

O público se importa com sua saída cara maestrina, os músicos se importam com sua saída , a música se importa, eu me importo. Perde a cidade de São Paulo e ganha o autoritarismo.

Ali Hassan Ayache

OS PALCOS DA MÚSICA ERUDITA, ARTIGO DE PATRICIA LUCIANE DE CARVALHO NO BLOG DE ÓPERA E BALLET.

2012-01-14T03:55:00.000-08:00

Aos interessados em música erudita nos tempos atuais, é necessário que se encontrem em grandes centros [normalmente capitais] ou que acessem canais de televisão [abertos ou fechados]. Esta constatação leva à conclusão de que o acesso a esse estilo musical [sinfonia, ópera, câmera, camerata e solo] encontra-se dificultado, em razão da pouca difusão. Inclusive, o acesso a material de apoio, como livro, revista, CD e DVD, também é dificultado [em que pese a aquisição pela internet], destacadamente porque a comercialização desses produtos acompanha as apresentações que ocorrem nos grandes centros.
Mesmo nos grandes centros, o acesso é dificultado pelos valores das apresentações, eis que predominantemente são onerosas, em que pese algumas exceções referentes às apresentações em espaços públicos, as quais objetivam a exposição aos futuros adeptos desta manifestação cultural [iniciação] ou aos que aproveitam, inerentemente, a gratuidade. Portanto, mesmo nas capitais o acesso predominante é elitizado, primeiro aos que compreendem esta versão cultural, e, segundo, de modo concomitante, aos que podem manter o necessário investimento, seja avulso ou por meio de assinatura.
Interessante observar, historicamente, que nem sempre o acesso foi elitizado. Na realidade, a fase embrionária da música erudita era popular, promovida pela igreja, como meio basilar de manifestação religiosa. E mais, a igreja promoveu os primeiros grandes compositores, musicistas e regentes da música erudita. Por exemplo, a música medieval com o canto gregoriano; a renascentista com os corais ou policorais, destacando-se os madrigais; e a barroca com as óperas de oratórios [histórias extraídas da Bíblia].
Nestas três fases históricas tem-se a música como base essencial do dia a dia das igrejas e especialmente nas comemorações de datas específicas como o dias santos, Páscoa e Natal. Dia a dia, era destinado à sociedade de modo gratuito. Gratuidade persistente, ainda que os nobres tivessem o direito de se sentarem, enquanto o povo se mantivesse à distância em pé nos fundos da igreja. Esta relação de ordem social, constatada é pelas cartas de Cláudio Monteverdi, quando vinculado à Igreja de San Marcos, em Veneza, ou Antonio Vivaldi, quando vinculado ao Ospedale della Pieta, na mesma cidade. Funções estas que eram exercidas de modo reiterado e remunerado pelos compositores e musicistas da época.
No âmbito da música erudita, através da música clássica, tem-se a transferência, até como rompimento com a tendência anterior, do incentivo e patrocínio da igreja para a nobreza, quando os artistas passam a prestar serviços a determinada família de nobres, de modo exclusivo, ou por encomenda [Haydn, Mozart e Beethoven]. Deste modo, as apresentações públicas e gratuitas cessam e reduzem-se, ficando restrita aos nobres, especificamente para casamentos, aniversários e recepções.
Outra situação que esclarece esta transferência é o quase abandono, pelos compositores da época, dos temas espirituais, voltando-se aos assuntos cotidianos e edílicos, em razão do sentido libertário da sociedade e da nova concepção social de que o homem torna-se o centro das atenções. Destaca-se a fase, da música erudita, romântica e moderna. Diante da nova concepção cultural, a igreja desmotivou-se a contratar e remunerar a música como elemento essencial de suas atividades religiosas. Compositores como Schumann, Liszt, Brahms, Stravinsky, Prokofiev, Debussy, Schoenberg e Ravel passam a ser contratados por teatros, gravadoras, rádios e estúdios cinematográficos.
Hoje, como forma de aumentar o público interessado em música erudita como manifestação cultural, independente de classe social, os grandes centros oferecem apresentações gratuitas ou a preços populares. Além disto, busca aproximar-se deste público por meio da instrução em música erudita. Instrução que envolve a compreensão sobre compositores, composições e instrumentos. Isto, porque reconhece-se que o “conhecer” é necessário à absorção como manifestação cultural e a divulgação deste estilo musical.
É interessante que os grandes centros, por meio de suas fundações, orquestras, câmeras e cameratas, coloquem-se, principalmente, perante estudantes do ensino fundamental e médio, para que estes, naturalmente, tornem-se ouvintes de música erudita, tornando-os o novo púbico consumidor.
Este consumo envolve o desenvolvimento artístico, intelectual, espiritual e social. Recomenda-se que esta sistemática seja adotada pelos programas brasileiros de música erudita, como o faz a Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo e a Orquestra Sinfônica do Paraná, exemplos de sucesso na aproximação com as diversas classes sociais.

Patrícia Luciane de Carvalho: Assinante da Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo, é professora de Direito da Propriedade Intelectual.

FONTE: http://www.movimento.com/